Copie invisible

Séance ciné oct 2011 (suite)

2011-10-30T01:14:00.000-07:00

Tintin
de Steven Spielberg
D'après la Bande Dessinée d'Hergé

Cette séance ciné à été pour moi à la limite du supportable.

J'y ai trouvé toutes les qualités et tous les défauts des deux Steven. Moffat et Spielberg: Ils sont malins, certes, et un grand savoir faire, ok.
Mais ont une facheuse tendance à créer du rythme en enchainant moments forts sur moments forts. Aucune pause, aucune respiration, ou trop infime pour réellement marquer le coup. Les enjeux non plus n'évoluent que trop peu tout au long du film, ce qui fait qu'au final on se retrouve avec un film sans climax, donc finalement assez plat malgré tout ses rebondissements, où les moments forts se noient les uns aux autres, et où le spectateur est ettouffé. Du coup, l'ennui s'installe vite quand les séquences sont plus tournées vers le spectaculaire que vers la narration.
Ce sont les mêmes défauts que je trouve aux épisodes de Moffat depuis les saisons 5 et 6 de Dr Who, et à Spielberg dans ses films d'action depuis Jurassic Park 2.
Néanmoins, je préfère assez nettement la partie du scénario écrite par Moffat que par Wright et Cornish. Moins dans la surenchère et plus malicieuse.

Je ne vais pas me faire des amis auprès des fans de Tintin (ni de Spielberg d'ailleurs), mais cette façon de tout tourner autour de l'action semble un moyen de masquer le manque d'originalité du scénario original. C'est vrai, Tintin ne brille pas par la qualité de ses scénarii. Au mieux, on y trouve de l'imagerie fascinante (les pirates, les cultures étrangères, les extra terrestres, le mythes traditionnels...), des personnages truculents, un humour parfaitement amené... Mais guère plus. Peu de surprise, peu d'orinalité, surtout avec le recul de notre époque et tout ce qui a été fait depuis. Du coup, pour accrocher le spectateur, on enchaine les rebondissements et scènes d'actions. Car passé la découverte du message dans le mat de la maquette du bateau, scénaristiquement, il n'y a plus grand chose d'interessant avouons-le... Un peu facile tout ça...

Sinon, pour ce qui est de la technique, elle est énorme, c'est vrai. Mais loin d'être irréprochable. Au delà du fait qu'on peut encore et toujours se poser la question de l'intérêt de faire un film d'animation tout en utilisant des acteurs et en ayant un style graphique aussi proche du photo-réalisme, les "chocs" (un personnage qui rentre dans un mur par ex) sont toujours un peu "flottants", et les expressions des visages par moment un peu raides (surtout pour le personnage du méchant). A mon avis quelques années de plus auraient été nécéssaire pour atteindre la perfection, pour l'instant c'est le top, mais pas parfait. On peut donc se questionner sur la pertinence de réaliser aujourd'hui un film d'animation quand on sait la technique encore limité pour les ambitions que l'on a. Ajoutons que le style choisi me laisse perplexe. Du photo-réalisme teinté d'un style plus proche de la BD d'Hergé, avec gros nez et tout et tout... Pourquoi avoir le cul entre deux chaises? Pourquoi prendre le risque de perturber le spectateur? C'est certes ambitieux et plutôt bien fait au final, mais les raisons esthétiques de ce choix me semblent plus mégalo qu'artistique. Pour moi, soit on fait un film live, soit on fait un film d'animation, je ne comprend pas tellement l'intérêt d'un mélange batard. Mis à part celle de la démonstation technique. A la limite, pour une adaptation d'un BD franco Belge, on peux se dire que c'est une façon de se rapprocher de la BD tout en conservant la qualité d'un jeu et des émotions des acteurs... Mais dans ce cas, on peux faire de la motion capture intégré à un style graphique plus proche de la BD, ça serait plus respecter l'oeuvre originelle... On dirait que Spielberg n'a pas réussit à se détacher d'une vision réaliste de l'image. Il n'a pas voulu assumer le choix de la BD ou du film live, et à préféré trouver une terrain d'entente. Un choix par défaut, donc, plutot qu'une réelle volonté initiale.

Revenons au film lui-même pour finir. L'intérêt du tout numérique est aussi les possibilités de mise en scène. Et là Spielberg à voulu les exploiter à fond: une liberté totale du mouvement de caméra, des plans séquences dantesques, des ellipses originales... On sent qu'il s'est bien amusé, mais bon nous on s'amuse moins parfois, surtout quand la dynamique patit d'une volonté de mise en scène douteuse, comme dans cette scène finale de course poursuite en side-car où la caméra précède la moto et filme de côté en plan général et en travelling et à la même vitesse, ce qui fait que ça annihile totalement l'impression de vitesse. C'est mou. Naze pour une scène d'action, heureusement ça ne dure que quelques secondes... Les possibilité de la mise en scène numériques sont souvent assez bien exploité néanmoins, même si trop de mouvements me fatigue un peu, mais ça doit être parce que je suis un vieu con aigri.

La seule chose que j'ai trouvé vraiment réussit est la relation Haddock/Tintin,. Ils se complètent mutuellement, et la complicité est là. Le duo fonctionne bien, et Haddock apparaît comme plus qu'un simple faire valoir. Cette relation soulage aussi des début laborieux où Tintin soliloquait sans cesse pour montrer le fond de sa pensé (enfin bon, il faisait comme s'il parlait à Milou, c'est c'est pas très fin tout ça, comme si on ne pouvait pas suggérer ce qu'il lui passe par la tête, non faut le dire tout haut les spectateurs sont bêtes.). Avec Haddock, les explications des déductions de Tintin se font plus cohérentes, puisqu'il s'adresse à Haddock en même temps qu'au spectateur.

Voilà un avis un peu décousu, mais qui résume assez bien le sentiment un peu fouillit que j'ai eu en sortant de la salle...

Séance ciné oct 2011

2011-10-20T08:11:00.000-07:00

Drive
de Nicolas Winding Refn

Oubliez tous les autres films de voiture. Oubliez-les bien car Drive n'en est pas un. Inutile de tenter de les comparer. Prenez plutôt un soupçon de Pusher pour l'aspect mafieux, un peu de Bronson pour les fulgurances violentes, et une bonne dose de Valhalla rising pour l'ambiance hypnotique. Ces trois références tombent bien: ces films sont tous signé Nicolas Winding Refn, le réalisateur de Drive. On pourrait presque dire qu'il signe là un aboutissement de toutes ses obsessions précédentes, car on ne peut véritablement pas parler ici de redite. Chacun de ses films était très différent et avait comme seul point commun une violence parfaitement retranscrite et une science de la narration et des atmosphères hors normes. Jamais de totales réussites pour moi, mais tous intéressant. Drive, c'est pareil. Le film est loin (mais alors très loin) d'égaler les plus grands films noir ou films mafieux tellement son scénario est fade et sans saveur. Une pur produit de studio, avec des personnages creux, une relation amoureuse insipide (et pourtant au centre du film), et un thème qui tourne autour de la bagnole et qui laisse présager pour les studios des tas de courses poursuites effrénées qui durent des plombent (c'est pour ça qu'il ne faut pas trop détailler les personnages, vous comprenez, ça prendrait trop de place dans le film, mieux vaut les courses poursuites, c'est plus vendeur...).
Bref, vous l'aurez compris, Drive est un film de commande.
Mais Nicolas Winding Refn livre un film qui va au-delà de ce qu'aurait réalisé un quelconque artisan de studio: Une vrai leçon de cinéma, ou "comment transcender un scénario insigifiant".
C'est un cinéaste virtuose, certes, cela est établit depuis quelques films, mais c'est surtout un des rares réalisateur actuel à être capable de rendre compte d'une véritable intensité. Ca faisait longtemps que je n'avais pas vécu au cinéma (en salle) autant d'émotions fortes. Une atmosphère constamment tendue, avec quelques fulgurances sensationnelles.
Le réalisateur compense la banalité du scénario par un choix d'acteur judicieux, qui incarne une profondeur rien que par leur présence à l'écran, Ryan Goslin en tête, impressionnant de finesse et d'assurance. Il préfère également leur conférer un mystère plutôt qu'un bagout inutile et fastidieux. Il se donne du mal à masquer les faiblesses d'une histoire trop convenu et de relations entre personnages si peu écrites. Et il faut dire qu'il y parvient. A moitié. Les miracles ça n'existe pas, mais il faut lui concéder qu'il n'a fait que de bon choix dans sa direction artistique. A mon sens, on ne pouvait guère faire mieux.
Ajoutons que les scènes de conduite, finalement rares (on en compte 2) et relativement courtes (la plus longue est celle d'intro et ne doit pas dépasser 5 minutes), sont d'une intensité incroyable. Jamais je crois que n'ai été autant saisi par de telles scènes, qui m'apparaissaient auparavant comme relativement sans intérêt, même les scènes de courses poursuites dans les films d'action... Je m'aperçois là, qu'avec du talent et un sens de la narration hors norme on peut vraiment tout faire.
Et puis cette ambiance! Tout simplement unique, une sorte de langueur hypnotique, qui parvient à faire passer même les passages les plus cuculs hollywoodiens, tellement le film à un ton inhabituel.
Je ne parviens pas à totalement être convaincu à cause de ce manque d'originalité, et un aspect 80's assumé avec lequel j'ai un peu de mal personnellement, mais décidemment Refn est un réalisateur à suivre, et son prix de la mise en scène à Canne n'est très certainement pas usurpé!

Séance DVD août (1)

2011-08-09T02:49:00.000-07:00

Kaboom
de Gregg Araki

Gregg Araki réunit ici tout l'imagerie ado contemporaine, comme il avait su le faire dans les années 80-90 avec sa "teen trilogie": Rêves mystérieux, drogue, sexe débridé, couleurs flashouilles, dialogues drôles et décomplexés, complot machiavélique et méchants à l'aspect cauchemardesques. Un petit cocktail détonnant si on sait bien le mélanger dans le shaker adéquat. Et Araki serait un bon barman, sans aucun doute. Un bon cinéaste c'est une autre histoire, mais on ne peut nier le réel talent qu'il a à créer un univers cohérents avec toutes ces influences. Bien sûr, on pourrait lui reprocher de ne rien créer de lui même et de seulement s'inspirer de la culture pop-ado. Mais comme Richard Kelly, il sait plutôt bien s'y prendre, car il n'est pas dans la copie, mais plus dans le clin d'oeil. D'ailleurs, les "méchants", humains surmonté d'une énorme tête d'animal en peluche, ne sont pas sans rappeler le Lapin de Donnie Darko (ou les joueurs du manga Doubt), mais ne sont pas du tout "utilisés" de la même façon. C'est juste l'imagerie qui est similaire, pas le concept. Et c'est par cette imagerie que le film fonctionne, et grâce à ses dialogues amusant, servis par des acteurs au charisme indéniable. La mise en scène n'est peut-être pas au niveau des ambitions du film d'ailleurs, mais Araki s'en sort en créant des situations tantôt cocasses, tantôt intrigantes, tantôt angoissantes, recréant ainsi l'atmosphère type des films cultes adolescents, à la Scream. Mais Kaboom frôle tous ces éléments sans jamais les aborder frontalement, ce qui permet de ne pas tomber dans la redite, mais empêche par la même occasion de les sublimer. Du coup, le film semble avoir des difficultés à se hisser au niveau culte de ces prédécesseurs dans le genre, n'en ayant pas la même "force". Pourtant, les bonnes choses sont là, et le film se suit avec intérêt jusqu'à cette conclusion, tellement simpliste et assumée au second degré qu'on peut penser qu'Araki est parvenu à réaliser le film ado contemporain ultime. Et ce, par son rejet de la profondeur: tout est superficiel, des personnages aux couleurs, en passant par cette prédominance de l'imagerie teen qui place de film dans un idéal cosmétique et donc de futilité assumé. Cette fin nonchalante plante le clou de la superficialité, prônant ouvertement l'absence de finalité à tout ce qui à pu être mit en place tout le long du film.
En gros, c'est fun, le reste on s'en fout.

Les chèvres du pentagone
De Grant Heslov

Etrange film que voilà, que rien ne pourrait laisser penser qu'il s'agit là d'une histoire tirée de faits réels... Et pourtant... Comme quoi la réalité dépasse parfois la fiction!
L'histoire conte comment un journaliste (interprété par Ewan McGregor) prend connaissance un peu par hasard de l'existence d'une section de l'armée américaine visant à former des Super-soldats dotés de pouvoirs paranormaux. Le film débute d'ailleurs sur une scène mémorable où un gradé regarde fixement un mur, grandement concentré, se lève brusquement et s'élance, déterminé à le traverser. On devine comment celà se termine: avec un beau mal de crâne. En celà, cette introduction est exemplaire et donne le ton qui perdurera tout le long du métrage, à la fois absurde, sarcastique, où premier et second degrés s'entremêlent.
Au final, si l'ont excepte quelques scènes d'anthologie (Clooney qui tente de "déchirer les nuages avec le regard" tout en conduisant, par ex), et quelques idées bien poilantes (appeler ces super soldats des Jedis...), le film tourne un peu en rond et peine à trouver de véritables enjeux narratifs. On se croirait dans un trip délirant dont on ne sais jamais où celui-ci va nous conduire. D'ailleurs, tout se termine dans une scène complètement hallucinée d'une armée sous acide, assez ratée d'ailleurs (le réalisateur ne parvenant pas à transmettre la sensation de trip hallucinogène, filmant platement, on à du mal à y croire).
Néanmoins, ce qui fait tenir jusqu'au bout du visionnage c'est ce mélange flou entre fiction et réalité. Certaines scènes sont d'une absurdité qui défie l'entendement, et penser que ce délire complet a en fait une part de réalité plus grande qu'on n'oserai l'imaginer provoque un sentiment de fascination particulièrement attrayant. Etrange sensation que de regarder ce film, constamment balloté entre divers sentiments, plus contradictoires les uns que les autres. Une curiosité à regarder tellement celà parait incroyable, et pour le jeu d'acteur: Clooney y est merveilleux par sa volonté d'y croire et par le sentiment de détresse qu'il transmet subtilement, de diverses manières, tout le long du film.

Achille et la tortue
De Takeshi Kitano

Encore une comédie de Kitano, comme si depuis Doll's -film profondément mélancolique et dramatique- il avait besoin d'un long break de blagounettes pour sortir de la dépression. Il y avait bien Zatoïchi, mais souvenez-vous de cette fin, étrangement festive, qui avec le recul semblait annoncer cette volonté de revenir à quelque chose de plus enjoué.
Bien plus sage que Takeshi's, cet Achille et la tortue nous rappelle les Kitano à l'ancienne, à la mise en scène subtile, plus posé et plus théatral également dans sa construction avec ses enchainements de scènettes. D'ailleurs l'affiche du film nous présente Kitano et Hanako Higushi de telle sorte qu'on pourrait croire en une représentation théatrale, ou mieux celle d'un duo comique comme dans Kids return. Et c'est un peu ça. Le film enchaine les sketchs tous liés par un fil rouge : la quête de la réussite artistique de Machisu, qui vouera sa vie -et celle de son épouse- à sa passion dévorante. On est constamment entre la caricature du milieu artistique, le pathétique de cet artiste incapable d'atteindre ses propres ambitions, les scènes de créativité débridées plutôt loufoques, humour potache, humour noir, chronique familiale, le tout teinté d'un sentiment de tristesse retenu qui donne au film son caractère tout à fait Kitanien. Ou Kitanesque, si vous préférez. Ajoutons un travail plastique sur l'image particulièrement réussit, les cadrages, les couleurs sont à la fois beaux et poétiques. On obtient un vrai bon film, comme seul Kitano sait les faire. Ce n'est certes pas son plus grand film, loin de là, mais c'est avec plaisir que je retrouve ce réalisateur qui c'était un peu perdu, cherchant vainement à se renouveler, et qui parvient là à revenir à ses propres codes sans pour autant se répéter totalement. Une sorte de renaissance. Du coup, il faut que je matte Outrage, voir si cette renaissance est aussi palpable dans le domaine du film de yakusa...

Séance cinéma de juillet

2011-07-26T04:32:00.000-07:00

Harry potter et les reliques de la mort, partie 1 et 2
de David Yates

Le film le plus attendu de l'année et peut-être même de la décennie. Pas pour moi en tout cas, surtout à la vue des précédents films tous plus décevants les uns que les autres.
Alfonso Cuaron et David Yates sont les deux seuls réalisateurs ayant bossés sur cette série qui remontent un peu le niveau, car ce sont les seuls qui ont eu une vraie "vision" de l'oeuvre. Bien entendu, cette vision est toujours entachée par celle de la production, qui veut rendre l'oeuvre toujours plus accessible, toujours plus simple, toujours plus fade finalement. Ce qui avait posé quelques problèmes au film d'Alfonso Cuaron, Le prisonnier d'Azkaban, terni par quelques graves coupes et par une fluidité narrative douteuse (alors qu'il suffit de voir n'importe quelle autre film de Cuaron pour être convaincu que s'il y a bien quelque chose qu'on ne peut pas lui reprocher c'est d'avoir une narration d'une fluidité exemplaire).

David Yates, depuis qu'il est aux manoeuvres, s'évertue à rendre l'ambiance plus réaliste et garder une cohérence rythmique et narrative tout au long de ses films. Chose qui n'avait jamais été le cas auparavant. L'ambiance de plus en plus sombre des précédents opus, si elle était flagrante d'un point de vue purement visuel, pêchait par une approche trop "féérique" (jouant avec l'émerveillement que provoque la magie) et une réalisation trop axées sur les péripéties, ce qui au final empêchait la mise en place d'une véritable atmosphère angoissante, pesante, et réellement sombre... En cela Yates a apporté une vraie vision cinématographique, puisqu'en rendant ses films plus réaliste, il donne au récit un aspect tout à coup moins enchanté et donc bien plus terrible.
Restait le problème des coupes phénoménales, point noir absolu de tous les films de la série, et dont chacun à sa sortie à connu des remontrances plus ou moins virulente de la part des fans en furie. Il faut dire que les roman de J.K Rowling sont si denses qu'il devient quasiment impossible de réaliser des coupes sans oblitérer tout ce qui fait le sel de ses romans à savoir la qualité des intrigues (écrits comme des polars aux indices distribués au comptes goutte) et des relations entre les personnages (d'une finesse et d'un réalisme rare dans le genre du roman fantastique jeunesse).
Depuis au moins le 3eme volet de la saga, il paraissait évident aux fans qu'il serait indispensable de couper les films en deux. Ou de rallonger leur durée (de déjà plus de 2h chacun!). Ce qui était impensable pour les producteurs et distributeurs des films à l'époque. Bien dommage, quand on voit le résultat: des films rythmiquement irréguliers, qui manquent de fluidité, ou tout s'enchaine trop vite, où les personnages sont trop peu développés et où certains détails essentiels à la cohérence de l'intrigue sont laissés de côté...
L'arrivée de David Yates sur L'ordre du phoenix à permit non seulement d'accentuer l'atmosphère pesante qui s'accorde à l'évolution de l'oeuvre littéraire, mais aussi de trouver en lui le seul homme capable de faire des coupes cohérentes, qui, si elles sont parfois décevantes (certains passages parmis les plus intéressant de la saga sur la jeunesse de Voldemort dans le prince de sang mêlé on été "oubliées") permettent au film de garder une cohérence et une telle fluidité qu'on peut dire qu'il est le premier réalisateur de la série à réellement faire des films qui ressemblent à des films!
Il est également le seul à avoir pu faire plier producteurs et distributeurs en leur faisant comprendre qu'ils avaient tout à gagner en sortant deux films pour le prix d'un (mais d'un gros budget, certes).
Le choix de couper ce dernier épisode s'avérait donc à priori judicieux, autant du point de vue des spectateurs, qui devraient se retrouver face à une adaptation plus cohérentes et complète qu'elle n'a jamais été, que du point de vue des financiers, qui rentreront 2 fois plus d'argent. Le problème est qu'au final, cette affaire ressemble plus à une affaire de gros sous que de soucis artistique. En effet, les reliques de la mort est très certainement l'épisode de la saga le plus facile à élaguer ! Et on s'en rend vite compte en regardant la première partie du film, franchement mollassonne et creuse à souhait. Elle pourrait être résumée de façon très simple, sans aller jusqu'à la version volontairement satirique du blog d'un odieux connard, que voici:
"Résumé des épisodes précédents : Voldemort le vilain sorcier essaie de tuer Harry Potter depuis 7 films [...]. Las, le gentil héros a décidé de partir se changer les idées en faisant du camping avec ses amis Ron et Hermione. Mais c’était sans compter sur les méchants qui se décident à pourrir leurs vacances…".
En bref, les héros doivent rechercher les fameux Horcruxes dont ont apprend l'existence à la fin de l'épisode précédent. Le problème est qu'il ne savent pas où chercher ! On a donc une série de scènes de déambulations ou de questionnement statique, prétexte à développer certains aspects de la personnalité des personnages... Enfin, surtout prétexte à rallonger à mort... Ce problème d'inconsistance du premier film est essentiellement dut au livre, dans lequel, il est vrai, il ne se passe pas grand chose durant une bonne première moitié. On n'a plus le côté enquête qui faisait le charme -et donnait le rythme- des précédents opus, l'aspect aventure est relégué au second plan, reste les personnages, qui avouons-le tournent un peu en rond depuis quelques épisodes... D'où, pour moi, la sensation que ce dernier volume de la saga aurait put plus facilement être tronqué que les précédents...
D'aucun rugiront en me rappelant que cette première partie contient son lot de séquences "d'aventure". Oui, c'est vrai, comme la scène d'introduction ou celle du ministère de la magie, mais elles semblent plus être là pour relancer un peu la dynamique du récit qui pâtit grandement d'un manque de rythme évident. Elle ne suffisent pas à elles-seules à compenser le manque d'intérêt de la quasi totalité du film.

Venons-en à la 2ème partie, sortie ce mois de juillet 2011... Et bien, elle rattrape le coup. Non pas que le film soit merveilleux en soit, mais déjà, on ne peux nier qu'il s'y passe des choses ! On ne s'ennuie pas, les péripéties s'enchainent à un bon rythme, et le film parvient même à rendre prenant l'immense scène de bataille de la fin, alors que dans le livre un sentiment de confusion régnait, le lecteur survolait la scène plutôt que de la vivre (alors qu'habituellement Harry Potter est une série très immersive). Là, David Yates n'a jamais oublié de raconter, là où Gore Verbinsky (avec Pirates des caraïbes 3) et Peter Jackson (avec le 3eme volet du Seigneur des anneaux: Le retour du roi ) se sont plantés en exposant de grandes batailles sans intérêt parce que sans histoire. Pourtant, Steven Spielberg avait montré l'exemple il y a déjà 30 ans avec les Indiana Jones, et même le (lamentable) dernier volet savait raconter les scènes d'actions de façon à ne pas endormir le spectateur... David Yates, sans aller jusqu'à l'inventivité des meilleures scènes d'actions de tous les temps, parvient donc à maintenir l'intérêt, en maintenant les enjeux à l'écran, sans les diluer sous une masse d'informations annexes. Il parvient même à faire passer des sensations, choses nouvelles dans un Harry Potter au cinéma ! Il crée une atmosphère de désespoir et d'épuisement qui n'est certes pas originale, mais qui fonctionne ! Enfin une émotion non surfaite dans la série, choses sur laquelle tous les autres réalisateurs (lui y compris) s'étaient plantés jusqu'à présent, échouant lamentablement à retranscrire les sensations éprouvantes que le lecteur des romans peut ressentir par moment.
Notons néanmoins que le film n'est pas exempt de gros défauts, mais pour sa défense, la plupart étaient déjà dans le livre. Quelques scènes ou révélations bien tirés par les cheveux ternissent le tableau, mais globalement le film remplit son contrat de divertissement, et je dois avouer que pour la première fois depuis le début de la série au cinéma, j'ai passé un bon moment.
Notons aussi que si cette 2ème partie est tout aussi fidèle que la première, elle parvient en plus à rester d'une grande cohérence avec la série cinématographique (la présence des elfes de maison de Poudlard dans le combat final aurait été incohérente puisque les films n'ont jamais expliqués qu'une bonne centaine vivait dans les sous-sols du chateau préparant la popote pour les élèves), et à faire des choix judicieux (Harry brisant la baguette).
Sans parler de franche réussite, le film remonte -un peu- le niveau d'une série qui sur le papier avait toute les chances d'être une bonne série de divertissement et qui au final est plutôt inégale, voire très mauvaise...

Le choix d'allonger la durée du film et de le diviser en deux à été partiellement payante, mais c'est surtout dut à la configuration du roman. Néanmoins, il porte ses fruit sur la deuxième partie, la plus riche et variée. Mais ce choix aurait dut être celui des producteurs depuis bien longtemps, et c'est regrétable qu'il n'arrive que maintenant celà aurait pu éviter de gâcher le réel potentiel filmique de l'une des séries de roman d'aventure la plus enthousiasmante de ces dernières années...

séance DVD juillet

2011-07-24T00:35:00.000-07:00

Buried
de Rodrigo Cortes

Un camionneur transportant de l'aide humanitaire en Irak se fait enlever, enfermer dans un cercueil et enterrer vivant. Seul contact avec son ravisseur: Un téléphone portable par lequel il reçoit menace et demande de rançon et tente de demander de l'aide. Tout le film se passe à l'intérieur du cercueil, ce qui en soit est un exploit, car le film parvient à maintenir un rythme correct et à renouveller l'intérêt. Evidemment, tout celà n'est pas parfait, celà tiendrait du miracle. Le rythme à beau tenir le coup, il reste innégal. S'il garde une certaine efficacité c'est justement parce qu'il est relancé régulièrement, mais on s'aperçoit vite que le concept limite particulièrement mise en scène, péripéties et psychologie des (du) personnage(s). Ce qui pèse vraiment sur l'ensemble. Ajoutons que la mise en scène est peut-être trop recherchée (un comble), ici la meilleure efficacité aurait peut-etre été de jouer sur l'ambiance et le cloisonnement. Là la caméra tente d'etre très libre, mais en même temps reste très limité. Ce qui donne une mise en scène un peu trop le cul entre deux chaises. Le réalisateur plutot que de forcer le respect par l'inventivité de ses mouvements de caméra en lieux très limité, aurait peut être plus dût jouer sur la sobriété et restituer l'étoufement par des effets de cadre. La mise en scène n'aurait pas semblé chercher à réaliser l'impossible, elle se serait contenté d'etre efficace et tournée sur l'ambiance plutôt que sur un rythme "hollywoodiennisé".
Au final, on a un film assez inégal, mais qui reste interessant a regarder, parvient à maintenir un rythme correct tout le long du film, et qui connait un final digne d'intérêt.

Triangle
de Christopher Smith

La dernière fois je vous avez parler de Black Death, du même Christopher Smith. Un film qui m'avais donné envie de découvrir ses autres réalisations. Smith est un spécialiste des films de genre, mais qui reste particulièrement attaché au cinéma indépendant, refusant depuis des années l'appel des majors américaines. Triangle, thriller spychologique, mélange des genres entre slasher et film fantastique et polar avait tout pour me satisfaire sur le papier. Malheureusement, je suis finalement bien moins enthousiaste...
Jess semble un peu déprimée, mais accepte de passer la journée sur le bateau d'un ami, avec d'autres amis à lui, qu'elle rencontre pour l'occasion. Pris dans un soudain orage magnétique, le bateau se retourne et les passagers guettent les secours. Un énorme navire de plaisance passe par là, mais il s'avère vide. Les naufragés commence à se faire assassiner un par un.
Difficile de parler des défault du film sans révéler les éléments les plus important et surprenant de l'intrigue. En gros on aura du voyage dans le temps, ou plutot un dérayement du temps, comme avec un disque rayé, ce qui faira répéter les même scènes à l'infini. A l'héroïne de parvenir remetre "le disque du temps" en place... Le probleme avec les voyage dans le temps ce sont les incohérences, et là le scénario ne déroge pas à la règle. Incohérences malencontreuses ou facilités volontaires? Difficile à dire, mais le résultat est le même. Mais ces incohérences ne sont pas le plus grand des problèmes. Ce qui est plus génant c'est que pour remettre tout en ordre l'héroïne devra revenir à la "normalité", et qui dit normalité dit manque de surprise. A partir du moment où on comprend ce qu'elle doit fair, tout est cousu de film blanc sans surprise. On espère tout le long du film qu'il va y avoir un retournement de situation digne de ce nom, mais en vain. Chaque twist remonte plus loin dans le temps, renouvellant l'intérêt et l'espoir de se retrouver face à une situation innatendu... Mais ça ne vient jamais. Au final on se retrouve avec une grande déception, de ce qui devient plus une grande tragédie fantastique prévisible plutôt qu'un film à tiroir surprenant. Alors qu'il en avait tous les apparats.
Dommage, parce que le concept était prometteur, et la réalisation de Smith meilleure que jamais. Il faut avouer que les cadrages et le jeu sur l'image vraiment réussi (très nette aux couleurs saturées au début, plus floue et désaturée à la fin), mais ça ne suffit pas à faire un bon film...

Monsters
de Gareth Edward

Voici un film de monstre pas comme les autres. Un genre qui revient bien à la mode ces temps-ci, bien des années après le dernier Alien. L'intérêt d'une mode reste dans le travail de ceux qui vont en avoir marre de mater toujours la même chose, les mêmes effets, les mêmes idées... Si l'ont devait rapprocher le film de Gareth Edward d'un autre film de monstre, ce serait plus vers District 9 qu'il faudrait lorgner, même si les deux films retent bien éloignés. En effets, District 9 avait un propos socio-politique évident, et finissait dans un enchevetrement de scènes d'actions en tout genre. Ici, rien de tout ça, Monsters est l'histoire d'un couple, qui se rencontre à l'occasion d'une traversée du costa rica en direction de la frontière américaine. Le mexique et le costa rica sont devenu des zones de quarantaine depuis qu'une sonde de la NASA s'est écrasée dans la jungle, libérant des particules d'une forme de vie extra terrestre. La zone, infestée de monstres gigantesques est trop dangeurese pour être emprunté. Pourtant, c'est la seule route que peuvent prendre les deux personnages, une traversée par la mer étant trop honnereuse. Tout le film garde le contexte en trame de fond, mais tout se base sur la relation entre les deux personnage, très crédible, assez sensible, même si parfois la répétition se fait sentir. Il faut dire que le film à été tournée en totale improvisation, ce qui donne des scènes merveilleuses, comme d'autres à l'intérêt limité. Néanmois, l'approche est intelligente, sensible et le film interessant.
La scène de fin, aussi surprenante que magnifique, apporte un plus indéniable à ce film tout en finesse, qui ne vous fera pas frémir, mais pourrait très bien vous émouvoir.

séance DVD juin

2011-07-06T01:16:00.000-07:00

Scott Pilgrim

d'Edgar Wright

D'après la BD de Brian Lee O' Malley

Yo, j'ai matté Scott Pilgrim, le film de geek pour les geek adapté de la bd geek à succès de Brian Lee O Malley!

Et bien que je ne sois pas fan de la BD (pas assez efficace à mon goût), il faut avouer que le film est assez incroyable! Alors bon, faut pas pousser mémé, c'est pas non plus le meilleur film de l'année, mais le nombre de trouvailles narratives et visuelles force le respect, et c'est surtout hyper cohérent avec le propos ado/geek de la BD. Finalement, il parait normal de proposer un film qui ressemble à un clip, dont le rythme est hyper dynamique (sans être étouffant non plus) comme dans une bonne pub, à un public qui ne se nourrit exclusivement que de ça, ou presque. Oui le public cible est l'ado boutonneux, ou le jeune adulte dont le cerveau est resté coincé vers le début des années 90. Oui les références aux jeux vidéo, aux mangas de baston et au romantisme adolescent un peu niais sont multiples. Oui, le scénario est aussi profond que celui du premier Super Mario Bros (le rock garage amateur remplacant la plomberie). Oui, les scènes de combat sont aussi crédibles qu'un affrontement entre goku et freezer en plein épisode de Dawson. Mais le pire dans tout ça, c'est que c'est ça qui est bon !!!Autant dans la bande dessinée, on ressentait trop à mon goût le coté BD indé américaine classique, qui parle du quotidien, des amourettes et de musique rebelle. Dans le film, c'est vraiment l'aspect jeu qui ressort (le scénario à la super mario bros se ressent plus immédiatement que dans la bd), et du coup on s'amuse. Même si le système de référence nous gave, on ne peut nier l'aspect fun du truc. On sent que les gars se sont éclatés à imaginer tout ça, et c'est communicatif.

Le point noir principal pourrait être le dynamisme survolté de la mise en scène et du montage. Mais finalement, je m'attendais à pire, à un truc qui part trop dans tous les sens alors que non, l'ensemble est très cohérent et assez facile à suivre. Je dirais même que le dynamisme est très moderne, et assez unique en son genre. Ca m'a un peu fait penser à la dynamique et l'énergie du film Kick ass, mais en plus poussé et aboutit. Ce qui est assez épatant en soit. J'ai même été impressionné par le nombre de trouvailles dans les ellipses, à mon avis le film fera date à ce niveau là.

Dommage qu'il n'ai pas trouvé son public, car je pense qu'il aurait pu cartonner. En tout cas, y a des chance qu'il devienne culte dans quelques années. Mais il faut avouer que ça manque quand même de profondeur tout ça... même si c'est vrai que je me suis bien éclaté à le mater. Disons que Scott Pilgrim le film c'est un peu comme one piece le manga, on en ressort rien, mais qu'est-ce qu'on s'amuse! :)

Black death

de Christopher Smith

Derrière cette affiche ringarde au possible se cache un petit bijou.

Un petit budget sortit direct in video qui est non seulement très bien foutu au niveau de la réalisation (il rivalise avec les meilleurs films américain traitant de la période du moyen age), mais en plus le scénario est très très bon, prenant des partis pris intéressants avec pour sujet principal les croyances (en tout genre), dans tout ce qu'elles peuvent avoir de plus terrifiantes comme conséquences.

Le moyen âge et sa cruauté sont dépeint sans concession, à tel point que le Robin des bois de Ridley Scott passe pour une adaptation de Martine à la ferme à côté.

Les personnages sont bien ficelés, les acteurs très crédible et qui n'ont pas rechigné à se faire dégueulasser les dents, eux. La réalisation est aux petits oignons, le scénar intelligent et efficace avec une vraie profondeur dramatique (c'est pas star wars quoi). Ca fait plaisir quand on s'attend à pas grand chose d'avoir un tel film! Je l'ai vu en dvd (prit à la bib), et je me le suis acheté en blu ray 8 jour après. Du coup j'ai envie de voir Triangle, dernier film du même réalisateur, un thriller psychologique qui a de bonnes critiques un peu partout... Et aussi mater ses premiers films, apparemment cultes: Creep et Severance.

Raiponce

de Byron Howard et Nathan Greno

Après Black death, on avait un peu envie de mater un truc plus... léger dirons nous... Le dernier Disney arrivait donc à point à la médiathèque :)

Comme me l'a dit un ami: "boah, tu verras, tu l'as déjà vu ce film..."

Oui Raiponce peut être abordé comme une sorte de remake d'Aladdin. On prend les même recettes, on change ce qu'il faut pour que ce soit le même film, et hop, miracle, un nouveau chef d'oeuvre. Ou pas.

Bon, il faut avouer que ce film n'est vraiment mais alors vraiment pas un chef d'oeuvre! On s'y attendait un peu il faut dire... Ca fait des lustres que Disney n'a pas brillé dans le domaine du film d'animation. Même si leur technique est toujours à la pointe (bien que Pixar soit toujours un cran devant à ce niveau là), au final le film manque cruellement de renouvellement pour réellement briller. Dommage parce qu'il y avait une réelle volonté d'allier la tradition Disney avec une certaine modernité, mais du coup ce qui faisait l'essentiel des anciens Disney - à savoir une certaine atmosphère, une poésie- à complètement disparu au profit d'un romantisme niais et d'un humour ravageur. Car oui, l'humour est lui très moderne et réussit (même si je préfère la subtilité de l'humour de Bambi ou Bernard et Bianca, que le côté plus "gaguesque" des récents disney). Ce sont notamment les personnages qui sont truculents: Le cheval en tête ! Notons que depuis la princesse et le grenouille, il y a une volonté de moderniser les héros. Le prince est toujours plus ou moins un sale gosse et la princesse une femme moderne qui prend sa vie en mains. Cette vision apporte une certaine modernité assez sympathique, bien que la recette commence à être trop évidente, attention au prochain!

Et puis, vraiment, il faut qu'ils arrêtent les chansons, c'est trop pénible!

Sinon, globalement grâce à l'humour et à son rythme de film d'aventure, Raiponce est un bon divertissement familial, même s'il n'en mène pas large cinématographiquement parlant... Disney à encore du pain sur la planche pour revenir au sommet...

Séance ciné de Mai

2011-06-08T00:24:00.000-07:00

Source Code
De Duncan Jones

Si je voulais voir ce film, c'est pour l'origin

alité du concept et pour Duncan Jones, le réalisateur, qui a fait Moon: un film de SF plutôt pas mal dont je m'étonne de ne pas avoir parlé ici. Certainement par manque de temps. Rapidement Moon manquait un peu d'ambition et de puissance (les thématiques sont là, mais n'amènent à pas grand chose), mais qui parvenait tout de même à intéresser par bien d'autres aspects, notament son approche de la SF qui revenait aux années 70 post 2001 l'odyssée de l'espace. De la SF comme on en fait plus, en somme, et ça ça m'a fait plaisir. J'ai tendance à préférer la SF quand elle va s'interesser aux questions plus qu'aux univers ou aux effets. Néanmoins, de Source code, je n'en attendais pas tant, je savais avant d'y aller qu'il s'agissait d'un film de studio avec une ambition de divertissement 1er degré avant tout. Mais j'espérais que Duncun Jones saurait apporter sa patte, et qu'il exploiterait certaines de ses thématiques personnelles... Et bien j'ai eu ce à quoi je m'attendais ou presque. Oui, presque, parce qu'on ne peut pas dire que Jones ai su vraiment exploiter quoique ce soit, mais il a néanmoins apporté une dimension humaine à un film qui aurait très bien pu rester du divertissement bébête ou purement formel voire conceptuel. C'est plutot une bonne chose, même si ca reste du domaine de l'infime. Après, qu'ai-je pensé du film du point de vue divertissement? Pas une réussite non plus. Ca manque cruellement d'idée au niveau des péripéties, c'est attendu sans grande surprise ni tension. Malgré tout, j'ai apprécié de regarder ce film pour son originalité, ça change des standarts hollywoodiens -je pense que le succés d'Inception y est pour quelque chose-. Aussi, la construction du film permet d'accrocher à l'histoire, quelques questions intrigantes restent en suspend quasiment jusqu'au bout, ce qui nous permet de tenir jusqu'à la fin, car finalement, ce sont les questions humaines (la famille, l'aliénation, la mort) qui tiennent en haleine plus que le côté polar du film. L'enquête est assez naze en soit, mais le film est bien mieux que cette enquête.
Je pense que c'est un film à voir par curiosité, même si c'est loin d'être un indispensable. Pas une réussite (difficile quand les studios tirent les ficelles), mais un film intéressant pour ce qu'il aurait pu être.

Minuit à Paris
de Woody Allen

Je ne suis pas toujours fan de Woody Allen, surtout de ces derniers films. Même si j'avais bien aimé Vicky Christina Barcelona, sorte de réalisation fantasmé d'un auteur qu'on sait sensible à l'art et à la séduction (et Whatever works m'avait bien fait marrer). Ici, ce sont les mêmes grandes thématiques: le fantasme, l'art, la séduction. On à une vision de Paris totalement fantasmée, accés sur ces grands "aspects" (jamais on y parle de la pollution ou de la circulation par ex...), où Owen Wilson campe un Woody Allen parfait. Car oui, Wilson joue le même rôle que tenait Woody à chacun de ses films dans les années 70: passioné, exalté, relation de couple conflictuelle, verbiage, humour décalé et sarcastique... Les névroses en moins tout de même. On dirait qu'en vieillissant, les névroses de notre jeune Woody se sont transformés en désir de mettre en image ses fantasmes, sexuels ou non. Ici, il est peu question de sexe, mais bien de fantasme donc, entre sa vision idéalisée de Paris et son amour inconditionnel pour le milieu artistique et ses grands représentants, il nous propose sa vision (quelque peu caricaturale, car il s'agit bien encore et toujours d'une vision fantasmatique) de Matisse, Picasso, Hemingway, Braque, Toulouse Lautrec, Zelda et Scott Fitzgerald, Dali, Bunuel... Et je dois avouer, que malgré que ca vision soit purement fantasmée, ça fonctionne, je suis bien rentré dedans! Ca doit être à cause du postulat de base, suffisament irréaliste, pour que n'ai pas l'impression que Wooody cherche à nous arnarquer en voulant nous proposer une vision réaliste de la chose. Non, on est dans SON rêve, alors laissons-le rếver. Les dialogues fonctionne bien, comme souvent, l'histoire est plus fascinante de par la présences de grands personnages et de leurs échanges que par la véritable originalité des péripéties. Personnellement, je suis bien entré dans son fantasme, et apprécié d'y voir représenter les artiste, et je me suis rendu compte que moi aussi c'est un univers qui me fascine. Sinon, évidemment comme toujours avec Woody Allen, l'amour est une chose complexe et le désir, qui peut paraître simple pour certains personnages ne l'est jamais pour celui qui le représente. Pour moi ce film se situe entre Whaterver works et Vicky Christina Barcelona, car il est plus drôle que ce dernier, mais moins marrant que WW, et il a plus de profondeur que WW sans atteindre les profondes questions de couples de VCB... Un Woody dans la moyenne, quoi.

Séance DVD de Mai

2011-05-27T08:49:00.000-07:00

La légende de Beowulf
De Robert Zemeckis

Je m'attendais à une grosse moisisure bien puante, bêtement bourrine, héroïque à deux balles: en un mot "américain" à en vomir.
Pourtant, si les premières images ne m'ont pas convaincu, j'ai finalement été juste assez surpris par la tournure du scénario pour prendre un minimum de plaisir en regardant ce... machin... Oui, machin, car ce n'est ni un film, ni de l'animation... C'est de la performance capture, le procédé de capture préféré de Zemeckis depuis le Pôle express... Et soyons honnête: c'est tout bonnement affreux !!!
Les textures sont immondes, les mouvements pas si bien gérés que ça (on voit mieux dans Shrek!!!), des expressions faciales inexistantes...
Les premières minutes de films font penser à une cinématique de jeux vidéo baclée au niveau animation, mais HD au niveau de la qualité de l'image... C'est dur, très dur. Difficile à croire ce qu'on voit... a rentrer dedans... Je ne comprend toujours pas cette volonté du cinéma à faire du réalisme en 3D... Quel est l'intérêt sinon de se la péter en montrant son savoir faire (qui n'est en plus absolument pas convaincant?).
Heureusement le casting à de la présence, et au scénario on a Neil Gaiman, qui a su insuffler un aspect tragique (au sens grec) à cette légende nordique.
Personnellement, je ne connaissais pas vraiment l'histoire de Beowulf, j'ai donc été un minimum intéressé par le récit. Par contre pour quelqu'un qui connait déjà, je suis moins convaincu par l'intérêt du film (mis à part cet aspect dramatique, "tragique" comme je l'ai dit plus haut, qui à été intégré par les scénaristes pour donner de la profondeur à un poème essentiellement épique)...

The social network
de David Fincher

Etonnant revirement de style que ce que nous fournit David Fincher depuis quelques films (depuis Zodiac plus précisément). Autrefois hyper stylé, voire surchargé d'effets esthétiques un peu gratuit, sa réalisation avait l'avantage d'être identifiable et plaisante visuellement. Aujourd'hui, Fincher fait dans la sobriété. Sobriété extrème même. Son travail se concentre plus sur la mise en scène que sur la réalisation (l'aspect technique donc). Avec Zodiac, j'étais prêt à penser qu'il gagnait au change, comme s'il avait troqué la forme contre le fond en quelque sorte. Et bien, pas vraiment finalement. Si zodiac reste à mes yeux un film réussit, ses suivants (benjamin button, et le présent the social network) me semblent bien moins pertinents ! Fincher semble s'être assagit pour éviter qu'un aspect formel trop riche nuise à la profondeur de ses récits, voire masquent un propos douteux (ce qu'on lui a beaucoup reprocher, sur Fight Club notamment). Le problème est que The social network reste un biopic dans tout ce qu'il y a de plus classique, l'hagiographie en moins. C'est d'ailleurs le seul gros point positif que j'y trouve: Mark Zuckerberg (le fondateur de facebook et personnage principal du film) y est montré comme un véritable salaud égoïste, qui troque ses -rares- vrais amis contre sa réussite sociale. Amusant qu'au final l'homme qui à le plus "d'amis" sur la toile est en réalité un homme sans ami véritable... Ce petit contrepied à l'habituelle démarche du biopic est amusante et complexifie les relations entre les personnages. Pour moi les qualités cinématographique du film s'arrête là. Alors certes, le scénario est plutôt bien écrit, avec ses dialogues bien rythmés, et les acteurs sont parfaits dans leurs rôles... Mais le film n'apporte pas grand chose de plus que ce pourquoi on a envie de le regarder: connaitre la génèse du site internet le plus utilisé au monde. Finalement, le film comblera plus les curieux que les cinéphiles.

Bliss
de Drew Barymore

Je suis plutôt surpris par les qualités (toutes relatives) de ce premier film de l'actrice Drew Barrymore. Certes, il reste dans une certaine mesure proche d'une tendance actuelle dans le cinéma indé américain: celui de la comédie familiale à la fois drôle et touchante. Certes, il ne brille ni par son originalité, ni par son propros. Mais je dois avouer que je n'en avais pas vu d'aussi jouissif depuis Little Miss Sunshine (qui n'est pas un chef d'oeuvre non plus, remarquez, mais qui donne bien la pêche quand même, il faut avouer). Il lui estt même supérieur sur certains points! Je l'ai aussi préféré à Juno, car on y trouve les même qualités, et on y ajoute un peu plus de profondeur dans les realtions entre personnages. Si Little Miss Sunshine reste globalement bien plus hilarant, ici les personnages sont bien moins caricaturés, moins caractérisés par des névroses basiques chères au soit-disant cinéma d'auteur américain (c'est la faute à Woody Allen tout ça!). Drew Barrymore parvient à leur donner une épaisseur qui était bien trop artificielle dans little miss sunshine. Et Ellen Page est parfaite dans ce rôle de jeune fille qui tente d'échapper au cloisonnement familial particulièrement niais en faisant un sport bien bourrin ! Evidemment, ca reste un film léger, quand je parle d'épaisseur il ne faut pas s'attendre à du Ingmar Berman, mais dans le genre, c'est un film plutôt fun, et s'il ne brille ni par son originalité ni par la profondeur de son propos, on en ressort avec le plein d'énergie, et ça c'est suffisamment rare pour être souligné.

Aux frontières de l'aube
de Kathryn Bigelow

Premier film qui tenta de moderniser le mythe du vampire. Avec la mode actuelle, c'est presque un passage obligé pour le médiathéquaire que je suis... Mais j'ai pas pu le voir en entier. Non pas que je me soit endormit ou que ma télé à explosé, ou que mon voisin est venue tapé à la porte a cause du son trop fort. Non, c'est juste que c'était vraiment trop mauvais. Bigelow à les même défaults que son ex mari: elle fait des films qui sont dans l'air du temps, encrés dans une époque. Le film pue les années 80 à plein nez, dans les cadrages, la photo, la mise en scène, le rythme: tout à horriblement vieillit ! Ce qui faisait classe à l'époque est particulièrement ridicule, et les dialogues sont d'un naze à mourir.
A éviter à tout prix. Sauf si vous êtes fan de kitch...

Séance DVD d'avril

2011-05-17T11:53:00.000-07:00

En avril, je me suis fait une séance Vincenzo Natali !

Après le succés public et critique de Cube, Vincenzo Natali s'est vu confié un budget plus important. Et c'est généralement comme ça que beaucoup de réalisateur qui ont fait un premier film original, en font un second bien plus banal. Il y a diverses raisons à ça, mais la plupart du temps c'est que le film doit être rentable car il coûte cher! C'est plus facile de prendre des risques avec un petit film... Mais là, sur Cypher, Natali donne l'impression d'avoir fait ce qu'il a voulu. Le probleme est qu'il a fait un peu n'importe quoi... Peut-être emballé par un certain confort, lui qui a l'habitude des budgets ridicules, il s'est certainement permit beaucoup de folies qui font de ce film un objet un peu trop embrouillé, chargé, fouillit... On a du mal à sentir une vraie démarche, un ensemble d'idées cohérent... Au contraire, ça part un peu trop dans tous les sens, et l'unité et donc le plaisir de voir le film en patie.
Néanmoins, Cypher a un ton et une originalité à défaut d'une vraie profondeur. Pas un super film donc, même pas un véritable bon moment, mais pour qui aime les curiosités, il regorge de trouvailles et d'idées. A voir pour qui ça interesse, donc.

Une curiosité. Deux amis se retrouvent confrontés à un évènement extra-ordinaire qui va bouleverser leur rapport au monde et à eux-même. Ambitieux à priori? Oui et non. Oui, parce que le concept est culloté et original. Non, parce que Nothing est finalement un film très simple, qui parle plus de relations humaines que de questionnement artistiques et philosophique. C'est une comédie, et en ce sens, Natali trouve l'excuse qu'il n'a pas trouvé pour Cube: l'absence de réponse finale n'ôte rien à l'impact du film. Car ici non plus, on ne saura jamais ce qu'est ce Rien et comment les deux personnages s'y sont retrouvés. Mais ça n'est pas grave, rien n'est prit au sérieux, à l'image de l'ouverture du film sur cette ville faite de papier collé et animée à l'ancienne... On est là pour rigoler, voilà tout. Mais, même si on se marre bien à suivre les mésaventures déjantées (jamais trop déjantées, il convient de le préciser) des deux protagonistes, on est surpris d'y voir se développer une vraie relation humaine, et un travail sur la psychologie des personnages qui donne à ce film une autre allure qu'un simple délire formel. En plus d'une curiosité, une bonne comédie et un bon petit film, sans grande prétention mais qui sait faire la différence avec sa différence. En tout cas, les films cullotés et pourtant grand public sont suffisament rares pour être soulignés de deux traits rouge! C'est celui que j'ai le préféré des trois.

Premiere grosse production américaine. Et ça se sent. Tout est asceptisé, ou presque. Aaah les effets spéciaux sont parfaitement réussis, ça oui, aucun soucis... Mais la réalisation est beaucoup moins personnelle, et le scénario part dans la surenchère. Notez qu'à la base, je ne suis pas un grand fan des films de monstres. Trop souvent pareils, trop souvent prévisibles, ça m'ennuie. Néanmoins, ici, il y a pas mal de très bonnes choses. Même si ont sait très vite que la "créature" échappera a ses créateurs au bout d'un moment et que tout ça finira dans un bain de sang, j'avoue avoir été pris par l'intrigue. Déjà le personnage du monstre est fascinant, d'une humanitée ambigüe, on est à l'affut de la moindre réaction, de la plus petite expression qui pourrait nous faire croire en sa dimension humaine, et donc non monstreuse. Cette ambiguité est parfaitement dosée, et fait monter l'angoisse crescendo. De plus, au delà des évidentes -et faciles- résonnances sur les questions de génétique et d'éthique scientifique, le film pose des questions humaines assez troublantes. Ce sont ces petites choses qui font qu'on accroche et qui rendent le film interessant à suivre. Néanmoins, au bout d'un moment, le scénario sombre dans la facilité dramatique et fantastique, voire horrifique... C'était trop attendu pour être appréciable, surtout que certaines incohérences (dans le comportement des personnages) viennent s'ajouter au sentiment de too much... A trop vouloir en faire, le scénario tue la crédibilité qu'il était parvenue installer jusqu'alors. Dommage, vraiment dommage.
Pour ceux qui l'ont vu, pour moi le film perd toute crédibilité à partir du moment où la femme entre dans la grange et est dégoutée et décontenancée par ce qu'elle voit. (ceux qui ont vu le film comprendront)

Manolosanctis, encore

2011-04-13T02:03:00.000-07:00

J'ai mis à jour d'autres pages de Figures géométriques (voyez le post précédent), et j'ai commencé une série de strip, reprenant mes personnages qui faisait marrer mes copains à la fac... Que de souvenir (ça y est, chui un vieux)

Lisez cet album gratuitement sur manolosanctis

Pour lire en plein écran il faut cliquer sur un bouton qui est tronqué ici. Je vous conseille donc de lire tout ça directement sur Manolosanctis en cliquant sur le lien juste en dessous de la fenetre.

Figures géométriques - 1 -

2011-03-23T02:30:00.001-07:00

Si je ne suis pas totalement fan des livres édités chez Manolosanctis, il faut bien avouer que leur plate-forme collaborative est vraiment sympa. Du coup, j'ai commencé à poster 1 ancien album publié chez L'entrepôt: Figure géométrique.
C'était pendant ma grande période "Trondheim est un dieu" :)

( à lire en plein écran et en zoomant)

Lisez cet album gratuitement sur manolosanctis

Zoom série: Sherlock !

2011-02-11T07:56:00.000-08:00

Sherlock

Série britannique créé par Mark Gatiss et Steven Moffat, j'ai été plutôt agréablement enchanté par cette version moderne du mythique détective de Baker Street. On m'avait parlé de cette version, mais j'avais tout de même craint le pire en apprenant que l'action se situait de nos jours... Passer outre l'époque victorienne me semblait pire qu'un blasphème: une absurdité !
Pourtant, lorsque la série fut proposée sur France 4, la curiosité l'emporta. La présence de Steven Moffat au générique m'a déjà partiellement rassuré. Etant le scénariste qui à écrit les épisodes de Doctor Who qui m'ont le plus marqués (Ahh ce double épisode dans la Bibliothèque, durant la saison 4 !), et responsable principal de la saison 5 de cet autre mythe britannique (le Docteur, donc). Son sens du rythme, des dialogues, et du mystère ne pouvaient que me faire penser que ce Sherlock partirait sur de bonnes bases. La curiosité se transforma alors en impatience !
Et en quelques secondes, je fut embarqué dans la machine. J'avoue que l'adaptation au contexte contemporain à parfois été difficile, mais l'utilisation des technologies modernes (le téléphone mobile par ex) est si bien utilisée, que ça passe. Et ça passe même de mieux en mieux, car si je regrettais à priori l'absence de l'ambiance propre à l'Angleterre Victorienne, de ses mystères et de sa mythologie, il faut avouer que la force de Gatiss et Moffat est de parvenir à créer avec notre monde actuel un univers qui connait lui aussi ses mystères et sa propre mythologie...
Le format est original pour une série, puisque cette 1ère saison comprend seulement 3 épisodes... Mais d'1h30 chacun ! Ce qui fait que parfois, on peut trouver le temps un peu plus long que lorsqu'on regarde une autre bonne série. Mais globalement, Moffat (qui à écrit le 1er épisode) étant un virtuose du pur divertissement, c'est très bien rythmé, et suffisamment mystérieux pour qu'on accroche sans jamais s'ennuyer. Le second épisode m'a semblé un peu en deça. Le 3eme, mieux, mais pas aussi bon que le 1er. L'effet de nouveauté peut-être?
Ajoutons un choix d'acteur qui me semblait au début contestable (c'est la grande difficulté des reprises ou des adaptations, c'est de parvenir à dépasser l'image que peuvent se faire les gens d'un personnage pour en créer un tout nouveau et plus personnel), mais qui au final s'avère être un excellent casting. Holmes, avec son visage étrange et quasi pré-pubère est d'une efficacité redoutable pour quelqu'un qui utilise 3 expressions faciales en tout et pour tout ! Chapeau !
Précisons que formellement, le résultat est très réussi, surtout pour une série britannique, qui souffre généralement d'un budget trop limité. Sherlock à une identité visuelle et narrative, qui fait primer l'efficacité à la subtilité, certes, mais n'oublions pas que -comme Doctor Who- ça reste une production qui n'ambitionne pas d'aller plus loin que d'être un (très bon) divertissement.
En gros, une bonne surprise donc. Un bien bon moment, que les séries policières américaines sont loin d'égaler...

séance ciné février

2011-02-11T03:40:00.000-08:00

30 jours de nuit
L'affiche fait penser à 28 jours plus tard. Le nom aussi. Des monstres qui bouffent des humains, des héros acculés qui n'ont qu'une solution pour survivre: se planquer et attendre le jour... Qui ne viendra que dans 30 fois 24 heures... Car, oui, l'action se passe en Alaska, et là bas, les nuits -comme les journées- sont longues... Ca a tout du film de zombie, mais c'est un film de vampire... Mouais, enfin bon, ces vampires là paraissent guère plus malin qu'un zombie, j'ai pas trop compris l'intérêt d'en faire des vampires, à part peut-être pour l'aspect organisé qu'ils peuvent avoir. C'est une vraie meute, avec un chef et une certaine technique de chasse. Mais l'intérêt du vampire là dedans est assez limité, d'autant plus que la mythologie de ces derniers n'est guère respectée (mis à part la dangerosité des rayons solaires).
Néanmoins, si le film est moins virtuose et désespéré que 28 jours plus tard, il en reste un bon petit film de genre, suffisamment divertissant et bien fait pour passer un moment. On ne demande généralement pas plus à ce genre de film.
Bémol pour la fin, un peu trop naïve à mon goût, mais l'ensemble reste bien meilleur qu'un autre film de monstre récent: The Myst, assez navrant celui-là...

Canine

Ca faisait longtemps que je n'avais pas vu de film d'auteur de ce genre. Avouons qu'ils se font rares, surtout de cette qualité. Pour tout dire, l'ambiance lente, mystérieuse et oppressante du film m'a fait penser à Théorème de Pier Paolo Pasolini, tout comme le sadisme subtilement suggéré peut être rapproché de Salo (même si dans ce dernier, il est plus nettement définit). La symbolique chère au réalisateur italien en moins.
Canine n'est pas symbolique, au contraire, si l'ensemble du film peut faire office de métaphore, le récit et sa mise en image est tout ce qu'il y a d'atrocement plus terre à terre: Des parents enferme leurs enfants dans l'enclos de leur maison, pour leur éviter les perversions du monde extérieur. Il veulent conserver leur innocence. Le problème est que leurs enfants approchent maintenant de la trentaine, et que l'arrivée d'une nouvelle nounou (qui s'occupe d'eux quand les parents partent au travail) va subtilement changer ce petit monde. Un film étrange, où la lenteur de la mise en scène accentue l'oppression et la perversité de chaque situation. Un film perturbant, mais fascinant, qui pose de multiples questions et provoque le malaise.

Séance ciné de décembre-janvier

2011-01-10T09:24:00.000-08:00

Oulala ça fait un bail que je n'ai rien posté ici, et dire que j'ai n'ai rien lu ou presque pendant tout ce temps m'embête énormément, surtout que ma pile de BD à lire devient énorme...

Néanmoins j'ai vu quelques films et séries, n'ayant une fois encore, pas trop le temps de tous les passer en revue, je vais faire un copier/collé a peine modifié de mes avis concernant quelques uns d'entre eux posté sur des forums...

Max et les Maximonstres, de Spike Jonze

C'est chouette. Une bonne adaptation je trouve, avec une vrai atmosphère. Un des rare film "pour enfant" qui -comme le livre- parvient à parfaitement représenter ce qu'est vraiment un esprit enfantin (bien au delà de toute édulcoration fantasmatique habituellement transmise par l'imaginaire collectif des adultes), pas de naïveté, de la souffrance, du jeu, de la confusion, des questions, de l'amitié des disputes, de l'incompréhension... Très bien fait. Il est aussi l'un de ceux qui parvient le mieux a traduire l'imaginaire enfantin en histoire et en image.
Pas un chef d'oeuvre, mais une réussite!

Mother, de Bong Joon-ho
Une perle. Chacun des films de ce réalisateur est a voir. Personnellement j'ai pas tellement aimé The Host, que je trouvais bon, sauf sur le plan du film de monstre pur et dur. Là il était d'une banalité a pleurer... Ce qui est dommage pour un film de monstre... Après tous les à côté (l'humour, la critique sociale, le ton global du film), j'ai bien aimé. Ayant revu Memories of murder, juste après Mother, je dois dire que j'hésite a dire quel est mon préféré, les deux sont de grands films pour moi. Profondeur du scénario, allié à inventivité narrative et originalité de ton. Que dire de plus?

Le bon, la brute et le cinglé, de Ji-Woon Kim.

Je m'attendais à un truc vraiment barré, mais en fait c'est juste un excellent western ! Efficace, bien rythmé et avec des personnages charismatiques... Le meilleur que j'ai vu depuis, pfiouu !

Etonné d'etre si emballé par un western, même asiatique, je décide d'enchainer avec Sukiyaki Western Django, de Takashi Miike. Bon là par contre c'est plus déjanté. Mais c'est Miike aussi, alors rien de surprenant^^
J'ai moins accroché, même si le ton est plus original. Faut dire que Miike a toujours des problème de rythme, et manque souvent de profondeur. Bon là, c'est du divertissement pur, ok, mais du coup, les problèmes de rythmes sont vraiment ... problématiques!
Bref. A voir ,e serait que pour voir tarantino dans un rôlé fada devant un décor peint digne d'un spectacle pour enfant !!! Le film dans on ensemble est divertissant, déjanté juste ce qu'il faut pour rester accessible, marie parfaitement la mythologie western et japonaise, mais il lui manque un petit quelque chose pour le rendre réellement prenant. Un bon scénario peut-etre?

La princesse et la Grenouille,

Et dire que les critiques annonçaient joyeusement le retour, enfin triomphant, des studios 2D de Disney, comme à la "grande époque"...
Moi j'ai qu'une seule chose a dire: c'est nul. Niais, gnangnan, des chansons à longueurs de temps et super chiantes... et en plus même pas drôle. Je vois pas trop ce qui lui reste...

Tempête de boulettes géantes

Quelques bonnes idées, un bon rythme. Mais un scénario ultra prévisible, des personnages clichés... Ca se laisse regarder quand même, quand on sait ce qu'on va voir, on est pas déçu. Ni surpris, remarquez...

Robin des bois (de Ridley Scott)

On a tellement soupé de rob in hood (l'éthymologie originale... Il n'y a pas de Robin là dedans...) que c'est une bonne idée d'avoir tenté de raconter la génèse... Maintenant j'ai plus eu l'impression de me retrouver devant braveheart que devant robin des bois, avec se côté moralisme libéral bien lourdeau. D'ailleurs, transformer Robin des bois, héros communiste par excellence, en véritable porte parole de la pensée libérale, c'est quand même une sacré belle pirouette, bravo Hollywood !
Pour ce qui est du film lui même, assez bien filmé, jolie photo, beaux plans, une vision crédible du moyen age (on est loin de la version quasi féérique avec Kevin Costner). Du Ridley Scott quoi. Un bon faiseur, qui se contente du minimum: ce que ses producteurs attendent de lui. Ajoutons que le scénar tente trop de concilier histoire et mythe, et se perd un peu en conjecture, allourdissant le rythme à cause d'une histoire principale trop diluée au milieu d'autres histoires secondaires (complot politique, faits historiques, background, psychologie et motivation des personnages principaux, amourettes, mise en avant de personnages importants pour le mythe mais sans intéret ici -comme le shérif de Notthingam-, le passé mystérieux de Robin, La magna carta, les batailles, les orphelins des bois...). Trop de récits plante l'aspect épique du film.
Pas assez rythmé pour être divertissant, pas assez surprenant niveau intrigue pour etre passionnant.
Une jolie coquille, classe et plutôt crédible, mais vide. Sacrément vide...
Et avec quelques moment bien risible, notons-le (Ahh cette sublime scène du baiser fougueux entre Robin et sa Marianne a demi-morte, le tout au beau milieu d'un champ de bataille tonitruant...)

Séances DVD d'octobre

2010-11-14T04:31:00.000-08:00

Kick Ass, de Matthew Vaughn

Oh punaise ca déménage!
alors autant j'ai regretté qu'ils aient ôté l'archi gore de la BD (pas lu mais feuilletée) pour que ca passe pour le plus grand public (ces producteurs sont vraiment des nazes). Autant ca reste suffisament gore, juste ce qu'il faut, pour etre troublant, et faire se questionner sur les limites de ce qu'on est prêt à accepter ou pas, ce qui est montrable ou pas...
C'est drôle, c'est fun, ça, pète, c'est violent, ca prend à contre pieds les habituels poncifs de super héros, du vrai pur film de divertissement comme j'aime!

Agora, d'Alejandro Amenabar

J'avais lu tant de mauvaises choses sur ce film, que finalement j'ai bien aimé !
En fait je crois qu'il y avait trop d'attente concernant ce film. Chaque oeuvre d'Amenabar (Mar adentro, Les autres, Tesis, et son chef d'oeuvre: Ouvre les yeux) est désormais une promesse, et celui-ci n'a certes pas tenu toutes les siennes. Aménabar ne semble pas savoir filmer les oeuvres épiques, lui qui est si bon pour pour les atmosphères, celui-ci en est totalement dépourvu (excepté les scènes filmées en plongées montrant des hordes de fanatiques détruire les rues, qui a défaut d'etre hyper originales fonctionnent très bien a mon sens, et donnent une vraie ambiance). Malgré tout, le scénario illustre plutôt bien les enjeux politico religieux qui secouèrent la région Alexandrine à l'époque. Je ne sais pas si le film est plutôt neutre ou s'il affiche un partit pris douteux (là les chrétiens sont les pires méchants, plus sadiques que Freddy et Sauron réunis, et les païens sont des gens plutot cultivés et intelligents, même si c'est eux qui ont commis les premiers actes qui entrainèrent la révolte chrétienne). Difficile a dire quand on est aussi bon en histoire que moi. En tout cas, le film m'a interessé. Plus par son scénario (écrit par Aménabar aussi), que par sa réalisation, assez pauvre.

Âmes en stock, de Sophie Barthes

Paul Giamatti (le célèbre acteur américain) est en pleine crise existentielle. Il se cherche, peinant même à trouver le ton juste lors des répétitions de sa prochaine pièce. Il entend alors parler de la « Banque des Ames », laboratoire privé proposant un service des plus intrigants : retirer l'âme des patients, tout simplement, et pourquoi pas la remplacer par une de celles disponibles dans leur catalogue ! Séduit, il décide donc de procéder à l’ablation de son âme. S’en suivent des réactions en chaîne dont il n’imaginait pas l’ampleur... Synopsis intrigant. Acteur que j'aime bien. Mais un petit trucs tiquait pour moi: l'idée me faisait songer à "Dans la peau de John Malkovitch", film que je trouvais amusant sur le papier et emmerdant en vrai... Là c'est quand même un peu mieux. Moins fou, c'est peut-être un peu pour ça aussi. Plus humain en tout cas. Des choses sont interessantes. Mais comme "Dans la peau de...", le film à du mal à décoller, du mal à dépasser les frontières du concept, et de transcender celui-ci. Là, ça mène à pas grand chose finalement, ou a des choses qui auraient pu être amenées sans ce concept... Donc bon, un petit film existentiel sympa, mais voilà.

Dernières lectures BD

2010-09-29T07:46:00.001-07:00

Ca faisait un moment que j'entendais parler de cette série. Un manga sur le vin. Pourquoi pas! Moi qui ai trouvé Yakitate Ja-Pan très drôle et appétissant (lu les 6 premiers tomes), je me dis que ça pourrait être l'occasion de découvrir l'univers du vin qui m'est assez étranger, malgré que j'apprécie de plus en plus d'en boire.
Néanmoins, je ne voulais pas commencer une nouvelle série, surtout en manga: j'ai plus de place!!!
N'ayant pas le public pour ce genre là où je bosse, j'ai quand même tenté le coup un soir: j'ai acheté le 1er volume.
Et bien, c'est pas aussi bon que ce que je pensais après avoir lu toutes ces excellentes critiques sur le net. C'est même très caricatural! Là où Yakitate Ja-pan était dans l'excès volontaire (ce qui en faisait tout son charme, avec son humour con comme c'est pas permit), ici on est pas dans la comédie, pas du tout (a part deux ou trois dialogues par ci par là, en tout petit et hors bulle)! L'aspect caricatural, inhérent je pense au genre du manga culinaire, se recent donc ici fortement à chaque petite exagération. Le ton aurait été moins "grave" ou disont moins sérieux, peut-être que ça serait passé. Mais là, l'histoire est à dormir debout et les réactions des personnages pas très crédibles. Pourtant, j'ai quand même plutôt apprécié la lecture, car ce que je cherchais avant tout c'est en apprendre plus sur le vin tout en me divertissant (et pas en lisant un truc rébarbatif et chiant que j'abandonnerai au bout de 5 lignes). Et pour le coup, les gouttes de dieux apporte un bon lot d'informations, ce qui n'est pas néglibeable. Notons aussi que le suspense est assez bien maintenu (malgré un enjeu un peu léger à mon goût), ce qui donne tout de même envie de lire la suite.
Au final, j'ai pas été transcendé par la BD en elle-même, mais j'y ai trouvé ce que je cherchais, donc je suis relativement satisfait. Je ne pense pas que j'acheterais la suite, j'offrirai ce tome-ci à quelqu'un je pense. Par contre, ça serait bien que cette personne hachette les autres, et pense à moi :)
héhé

Les références (finalement pas si nombreuses, disons qu'il y aurait pu y en avoir encore plus, et des plus drôles), le rythme inégal (avec ses strips au nombre de cases aléatoires) et ses enchainements très éliptiques, le dernier bouquin du duo quasi inséparable Spiessert et Bourhis s'adresse avant tout aux fans de star wars (ep. IV à VI), qui retrouveront quelques dialogues par ci par là (parfois un peu réadaptés) généralement utilisés dans un contexte tout juste différent pour que ca en devienne comique. Enfin, si on veut. Parce ce qu'il faut bien le dire, ce qui pêche dans cette parodie, c'est bien l'humour. Si certainement idée de re-constextualisation sont très bonnes, globalement les gags en eux-même (ceux qui clôturent le strip, et doivent donc être incisifs, efficaces) sont vraiment pas terrible. J'ai dut esquisser 2 ou 3 sourires pas plus, et je suis plutôt très bon public en ce qui concerne l'humour! (et de star wars de surcroit!)
Un autre truc me gène, c'est que souvent je trouve les dialogues originaux de star wars bien plus marrant! Du coup, pour moi là ça tombe à plat puisque ca ne tient pas la comparaison! En gros c'est pas drôle. C'est con pour un album d'humour.
Ajoutons pour finir que pour ceux qui n'ont pas vu (ou peu vu) "un nouvel espoir" (l'épisode IV) ça risque de tomber à l'eau encore plus souvent, puisque les références (qui font la drôlitude de 85% des choses) ne seront pas comprises...
Reste des dessins marrants, un délire plutot sympathique à la base, et une réelle bonne humeur globale qui s'en dégage.
Mais pour moi ça reste un délire de geek, qui parlera aux seuls fans... Je suis même étonné que Trondheim ai publié ça, lui qui est souvent assez coriace en ce qui concerne l'humour, c'est qu'il a su trouver ça drôle! Ou alors il s'est dit qu'une parodie de star wars ca allait forcément se vendre. Entre les deux solutions laquelle je préfère croire? Je n'ose pas.

Une réédition à priori légèrement retouchée et augmentée de commentaires et autres analyses. J'ai adoré cet album, qui est pour moi un des meilleurs de la collection aire libre, et un de mes préféré du duo Boilet-Peeters. Si le récit avait des faiblesses, elles étaient contrebalancées par une originalité du sujet et du concept, par un rythme et une crédibilité rarement égalée. Je n'ai pas encore lu cette version, qui est apparement la version japonaise (que les auteurs avaient légèrement remaniés) édité en france. Si je ne l'ai pas encore lu, c'est parce que je connais déjà très bien l'oeuvre originale, et que je ne l'ai pas mis dans mes priorités. J'y reviendrai donc plus précisément une fois lu.

L'univers est bien mystérieux (3)

2010-08-19T15:30:00.000-07:00

Nous en étions donc à l'arrivée d'Einstein dans la monde de la physique. Une arrivée en fanfare!
Sa théorie de la relativité (plus tard appelé "relativité restreinte" ) bouleversa la vision scientifique du monde.

Revenons un poil en arrière, pour nous rafraichir la mémoire...
-Pour Newton, les lois de la physique doivent être les mêmes pour tous les observateurs en mouvements quelque soit leur vitesse de déplacement.
-La vitesse de la lumière à une valeur déterminée.

Nous sommes en 1905, Einstein eu une idée "simple": la vitesse de la lumière étant une constante, on peut la considérer comme une règle. Une loi.
Ainsi, tous les observateurs devraient trouver la même valeur à la vitesse de la lumière, quelque soit la vitesse à laquelle ils se rapprochent ou s'éloignent de la source de lumière...

Non seulement cette idée pourtant simple parvenait à expliquer le statut de la vitesse de la lumière dans les équations de Maxwell (sans avoir besoin de l'éther ou de tout autre cadre de référence), mais elle eut aussi plusieurs conséquence remarquables, souvent contraires à l'intuition...
Avant de prendre un exemple, il est important de se remettre en mémoire certaines bases mathématiques:
-Pour calculer une vitesse, on divise une distance par une durée.
Appellons la vitesse V, la distance D, et la durée (le temps) T.
on a donc: V= D/TSur le tableau de bord de votre véhicule la vitesse est indiqué avec cette équation!
V= 60 km/h, par exemple, ce qui équivaut a dire que votre vitesse est de 60 km en 1 heure. (D= 60 km et T=1 heure)

Nous avons vu au chapitre précédent que deux observateurs différent, l'un situé à bord d'un train et l'autre à l'extérieur, n'auraient pas la même perception de la distance parcourue par un objet lancé en l'air, dans le train.
Reprenons cet exemple du train, mais remplaçons la balle de ping pong, par un flash lumineux...
Les deux observateurs ne s'accorderaient pas non plus sur la distance D, parcourue par la lumière.
N'oublions pas que la vitesse de la lumière est invariable, D/T ne peux donc pas donner une valeur différente de V.
Puisque D est différent selon les observateurs, il faut que T soit également différent pour qu'on puisse ré-équilibrer l'équation...
En gros, les deux observateurs ne seraient pas d'accord sur la durée, et donc le temps devient une notion relative à l'observateur!

En d'autres termes la théorie de la relativé restreinte a mis fin au concept de temps absolu!

Quand on parle de temps relatif, on pense toujours qu'il est relatif à la perception de chacun (quand on s'ennuie on a l'impression que le temps passe plus lentement, par exemple). Pourtant on vient de voir qu'il s'agit réellement une loi physique!Chaque observateur possède sa propre mesure du temps, donnée par toute horloge qu'il aurait sur lui! Des horloges identiques emportées par des observateurs différents n'indiqueraient pas le même résultat!
On peut en déduire que le temps et l'espace sont liés, couplé au sein de ce qu'on a appelé l'espace-temps... Car en effet, si dans l'équation le temps T reste stable, ça serait la Distance, et donc l'espace qui se serait contracté ou dilaté! Les deux sont indissociables, et leur véritable nature est contre-intuitive!

Notre espace est un espace en 3 dimensions. La hauteur, la largeur et la profondeur. Mais puisque l'espace et le temps sont indissociables, on peut dire que nous vivons dans un univers à 4 dimensions. Chaque évènement ( tout ce qui se produit en un point précis de l'espace à un moment donné) peut ainsi être définit par quatre nombres, quatre coordonnées.

Cette théorie à également des effets sur les corps se déplaçant à une vitesse proche de celle de la lumière:
C'est la célèbre équation E=mc² qui est à l'origine de cette déduction. (E= énergie, m=masse, et c=vitesse de la lumière)
Selon cette équation, si l'énergie d'un corps augmente, sa masse, et donc son inertie, augmentent également.
L'énergie liée au mouvement, nous l'avons vu, est appelée énergie cinétique.
L'inertie est au contraire, la résistance à toute modification de vitesse.
L'inertie d'un corps augmentant avec son énergie cinétique, plus il se déplace vite, plus il devient difficile d'augmenter sa vitesse.
Quand la vitesse d'un corps augmente pour atteindre une vitesse proche de celle de la lumière, son inertie devient considérable! Il faut donc de plus en plus d'énergie pour continuer à accélérer!
Il existe une limite mathématique à cette équation: Si un corps atteint la vitesse de la lumière, sa masse deviendra infinie. Par conséquent, pour ré-équilibrer l'équation, il faudrait que l'énergie dépensée soit infinie. Ce qui est évidemment impossible...

Ne me demandez pas de vérifier ça mathématiquement, je fais confiance à ceux qui savent lol

Il est donc impossible à tout corps possédant une masse de se déplacer à la vitesse de la lumière... Et on ne peux pas non plus la dépasser . Seuls les photons et autres éventuelles particules sans masse sont capables de voyager à cette vitesse.

Mais cette théorie de la relativité est appelée "restreinte" car elle butait sur quelque chose considéré comme essentiel dans la physique moderne: La théorie de la gravitation de Newton!
En effet, chez Newton, si le soleil disparaissait d'un coup, il faudrait environ 8 minutes avant que la terre ne s'assombrisse, mais l'effet gravitationnel de la masse du soleil cesserait immédiatement. L'effet de la gravitation agirait donc à une vitesse infinie, et non pas à une vitesse inférieure ou égale à celle de la lumière, comme le suggère Einstein.

Einstein tenta vainement pendant des années de rendre compatible les deux théories, finalement, en 1915, il proposa une théorie plus révolutionnaire encore, appelée aujourd'hui relativité générale!

Je vous invite a regarder cette vidéo en 3 parties, qui explique bien tout celà et n'est pas très longue (moins d'une demi-heure):
http://www.youtube.com/watch?v=y-qMCcGMgfA

L'univers est bien mystérieux (2)

2010-08-19T14:26:00.000-07:00

Nous avons vu la dernière fois la loi de la gravitation de Newton.
Celle-ci nous apprenait que deux corps, même de masse inégale, tombent à la même vitesse. Tout ça a cause de la loi de l'inertie (au plus un corps est lourd, plus plus il est difficile à déplacer) et celle de l'énergie cinétique (au plus un corps est lourd au plus la gravitation va être forte et donc au plus il va tomber vite), qui s'annulent mutuellement.
Mais la loi de la gravitation nous apprend autre chose encore. Au plus 2 corps sont éloignés l'un de l'autre, au plus l'attraction gravitationnelle entre eux sera faible.

A l'échelle de l'univers ces lois révèlent quelque chose de surprenant: il n'existe pas de repos absolu! Qu'est-ce que ça veut dire? Eh bien, que chaque parcelle de l'univers est constamment en mouvement.
L'implication en physique est considérable: elle signifie qu'il est impossible de déterminer si 2 évènements qui se sont produits à des instants différents ont eu lieu au même endroit dans l'espace!!!

Un peu compliqué, je m'explique!
Puisque qu'il n'y a pas de repos absolu, la notion de mouvement n'a de sens que pour un corps en relation avec d'autres corps, c'est une notion relative.

Imaginez un train roulant roulant à 144 Km/h et quelqu'un lançant une balle de ping pong en l'air dans ce train. La balle rebondit deux fois au même endroit à une seconde d'intervalle.
Pour une personne à bord du train, la distance entre les points d'impact des deux rebonds est nulle (puisqu'elle a rebondit au même endroit).

En revanche, pour une personne qui observerait la scène de l'extérieur du train, sur le quai, les deux impacts se sont produits à 40 m l'un de l'autre (compte tenue de la vitesse de déplacement du train).

Aucun des deux observateur ne peut se dire plus immobile que l'autre, et pourtant ils n'ont pas la même perception du mouvement.
Les déplacements et les mouvement sont donc tout ce qu'il y a de plus relatif!

Mais, le XXeme siècle nous a appris que le mouvement n'était pas la seule notion relative essentielle à compréhension de notre univers.

Je passe rapidement la théorie de l'électromagnétisme de Maxwell, et le constat de Michelson et Morley, car c'est compliqué et pas essentiel à comprendre dans le détail. Ce qui est intéressant c'est de savoir ce que ça implique:
Maxwell s'appuya sur la découverte de Roemer concernant la vitesse finie de la lumière (299 792 458 m/s). Mais nous venons de voir que selon les lois de Newtown, qu'une notion de constante dans l'univers est difficile à appréhender, car tout est en mouvement constant. On supposa alors que comme les vagues ont besoin d'eau, et le son besoin d'air pour se déplacer, la lumière à besoin d'une "substance" pour se propager. On nomma cette substance "ether". Selon Maxwell, la vitesse de la lumière reste fixe par rapport à l'éther. Ce qui veux dire que si on se rapproche de la source de lumière, on aura l'impression que la lumière se déplace plus vite, puisqu'elle nous arrive plus vite dessus (ce qui correspond à la vision newtownienne)... Michelson et Morley voulurent constater cette hypothèse. Ils calculèrent la vitesse de la lumière du soleil à un moment où la terre se rapprochait de lui...
Eh bien, ils furent stupéfait de voir que la vitesse demeurait rigoureusement la même!

La vitesse de la lumière serait donc invariable. Une constante! Roemer avait raison !

La théorie de l'éther était donc remise en question. Et la lumière et sa vitesse restèrent bien mystérieux jusqu'à ce qu'un inconnu du bureau fédéral de la propriété intellectuelle de Berne (Suisse), un certain Albert Einstein, fit remarquer que cette hypothèse de l'éther devenait superflue si l'on acceptait d'abandonner l'idée de temps absolu!

Nous verrons ça la prochaine fois!

Inception, de Christopher Nolan

2010-07-24T17:03:00.000-07:00

Annoncé comme le blockbuster de l'été, le dernier Nolan va en refroidir plus d'un. Film de divertissement: oui, mais faut s'accrocher !
Ca faisait longtemps qu'un film ne m'avait pas demandé une telle attention, et ce dès la 1ère minute de film !
Faut aimer, moi j'aime. J'aime être porté par un film, mais j'aime aussi être forcé à pénétrer son récit, sa narration. Certains resteront sur le palier, d'autres auront la curiosité et la volonté de le franchir.
Inception est une sorte d'aboutissement du Prestige. En effet les deux ont pour thème central la manipulation. Nolan exploite un filon déjà utilisé à maintes reprises par divers cinéastes, dont Lynch et Cronemberg par exemple. Comme eux deux, il aime manipuler le spectateur et le positionner directement face au concept, mais contrairement aux cinéastes pré-cités, il intègre ses concepts dans des films de genre aux codes bien définis. Dans memento, le spectateur est comme dépossédé de la continuité du récit, puisqu'on ne connait jamais les évènements antérieurs, et se retrouve ainsi dans une situation de quasi-amnésie comme le héros du film.
Dans Le Prestige, il prend le prétexte de la vengeance pour détourner l'attention du spectateur, tout comme un illusionniste pourrait le faire. Si le film parle de magie, d'illusionnisme, Nolan conceptualise ainsi l'idée que le cinéma est l'art de l'illusion par excellence!
Inception, s'il est plus simpliste que ces précédents films quand a ses personnages (sorte de coquilles vides qui ne sont pas destinés à réellement exister mais bel et bien à rester des personnages de cinéma), et a ses thématiques (à part celle du remord il n'y a pas grand chose de "profond" à en tirer...), est tout de même d'une grande puissance formelle. Un umbroglio, une surenchère, de l'esbrouffe? Oui aussi, mais tellement bien foutue que ca laisse pantois. Nolan aura réussit, surtout avec un final certes quelque peu attendu mais tout de même troublant, à nous mettre face nous perdre volontairement dans les limbes de l'inconscient. A trop jouer avec la fiction on en perd toute réalité, le spectateur ne peut rester que circonspect devant un tel condensé de non-réponse ou la multitude possible de réponse, il ne sait plus où il en est, le rêve et la réalité se mèlent et l'art de la grande illusion du cinéma prend tout son sens. Inception m'a rappelé la fin du film de Cronemberg Existenz, où un personnage demande à Jude Law, qui est en train de le menacer avec un flingue: "Heu rassure-moi, on est encore dans le jeu (-virtuel- pour ceux qui n'auraient pas vu le film), là?". A la sortie d'Inception, le spectateur se pose la même question sans avoir de réponse: où est la réalité?

La faiblesse de la quasi totalité des derniers films manipulateurs depuis Usual suspect à Shutter Island, c'est de donner une explication. Toujours décevante, car toujours avec les mêmes ressorts, les même thèmes, les mêmes idées, mais aussi parce qu'elle lève le voile de l'illusion. La fascination disparait alors. Inception, malgré ses défauts (surtout le vide intersidéral de son récit - compensé par une multitude de rebondissements, blockbuster oblige, et de complexité scénaristique, Nolan oblige) restera fascinant pour oser ne rien révéler.
Il me faut un 2eme visionnage !

Critiques de 3 films

2010-07-23T07:24:00.000-07:00

j'ai vu enfin This is Spinal Tap, de Rob Reiner

le faux film documentaire sur le faux groupe de hard rock des années 70 (le film se déroule en 1982, en fin de carrière du groupe).
Moi qui ai vu plusieurs reportages d'époque sur des groupes des 70's (led zep, pink floyd, black sabbath...), c'est tout à fait ça ! J'ai adorer retrouver les gimmicks musicaux et de mise en scène de ces années rock ! Bon on sent que c'est mis en scène (trop de plans différents, certain passages font trop écrit), mais globalement c'est plutot bien fait. On y croit presque. En tout cas plus que pour le film de Peter Jackson sur le grand cinéaste oublié (forgotten silver).
Si j'étais pas musicien j'aurais peut être pas tiqué sur les sales playbacks instrumentaux: les acteurs savent jouer, oui, mais ils ne jouent pas les bonnes notes au bon moment. C'est peut etre aussi un gag, je ne sais pas, en tout cas c'est possible car il faut avouer que les concerts de l'époque c'était des fois du rafistolage, des images qui collent pas au son... (le tout début de Since I've been lovin' you, de Led zep sur le reportage [i]The song Remain The Same[/i], par ex, ou le concert à Pompei de Pink Floyd qui en est truffé)

Ca caricature, mais ça caricature intelligemment, et puis on sent un véritable amour pour ce genre de groupe, d'esprit, d'époque. Les relation entre les musicos, les périodes de gloires et de déclin... Ils ne parle pas beaucoup des excès en tout genre, mais c'est tant mieux, trop de choses ont déjà été faites a ce sujet, c'est intéressant aussi de parler d'autres choses.
Mes passages d'anthologie:
-L'ampli qui va jusqu'à 11
-Le guitariste qui fais son solo allongé par terre et qui arrive plus à se relevé (c'est un roadie qui le soulève)-"on peut pas relever des empreintes de vomi"
-le groupe qui se perd dans les coulisses de la salle de concert et n'arrive pas à trouver la scène

Morse, de Tomas Alfredson, d'après John Ajvide Lindqvist

Bien aimé ce film. Même beaucoup aimé. Approche intéressante et fascinante du mythe du vampire. mettre en scène des enfants plutot que des adultes est un coup de génie. Ca fait penser que l'auteur lui aussi a trouvé, comme moi, que le vampire le plus terrifiant d'Entretien avec un vampire était la petite fille !
Une volonté de masquer une part de la réalité, faire fonctionner l'imagination bien plus que d'ordinaire, et souvent de facon assez originale.
Malgré tout, je regrette un certain manque d'efficacité peut-être. Le film n'est pas flippant, et est quand même assez mollasson. Mais il est fascinant et intéressant. Ca oui.
Les deux enfants-acteurs sont épatants.

Bronson, de Nicolas Winding Refn

Un peu pareil que Morse. Intéressant, pleins d'idées (l'idée de la scène de spectacle et du clown est excellente, et bien exploitée), mais manque un poil d'efficacité et d'approfondissement psychologique, lui. Mais fascinant et intéressant aussi, ça oui. Tom Hardy est franchement génial.

Soleil-Ville, enfin la suite

2010-07-10T06:55:00.000-07:00

Ouf ça y est, je ressort un peu la tête de l'eau, et j'ai pu me consacrer à ce maudit chapitre 6 de Soleil-ville!
J'ai eu quelques difficultés à m'y remettre, surtout que l'ambiance change un peu ici (j'ai recommencé 4 fois avant d'arriver à cette version qui ne me convient pas encore totalement, mais je préfère y revenir plus tard et avancer). Vous pouvez le lire en ligne ici:

http://loic.massaia.free.fr/soleil_ville_615.htm

Ce 6ème chapitre est intitulé Le idee nere di Bianco, et met en scène comme personnage principal Guillaume Bianco, l'auteur de l'excellent Billy Brouillard !

Lectures BD

2010-05-19T15:29:00.000-07:00

Je me rend compte que je parle finalement peu de bande dessinée, mais c'est parce que je n'en ai pas beaucoup lu ces derniers temps. En fait mes dernières lectures remontent presque toutes à l'après Angoulème.

La porte, de José Parrondo.
Alors, déjà je suis assez fan de l'univers de parrondo, cette sorte de fausse naïveté et ce côté minimaliste graphique me botte bien. Mais surtout parrondo est un auteur que je trouve très ingénieux, un peu comme un Trondheim, un Ibn Al Rabin ou un Greg Shaw, et j'adore ça^^
Mais ca fait quelques temps que j'arrivais plus trop à retrouver la vrai fraicheur de mes premières lectures Parrondienne. Ca commencait à tourner en rond, les derniers albums débutaient toujours bien, rythmés et plein d'idées, et ils s'affadissaient petit a petit jusqu'à une fin généralement décevante...
J'ai attendu longtemps un nouveau livre (il a bossé pour le dessin animé pendant 2 ans ce qui l'a empêché de faire du livre), et je ne sais pas si c'est cette attente, ou le fait que Parrondo ai retrouvé son support de prédilection. Mais ce livre est un petit bijou. Il n'avait jamais été si poétique et introspectif, c'est très touchant. Tout ça sans perdre son coté faussement enfantin, léger et drôle, ni son ingéniosité fulgurante. Ce livre m'a épaté.

5000 Km par seconde, de Manele Fior.

Alors Manuele Fior est un putain de dessinateur, il faut bien le dire. C'est un gars qui a une palette graphique inouïe et qui à une sensibilité dans son trait vraiment magnifique je trouve. Donc cette album est visuellement à pleurer, tout en aquarelle, aux ton légèrement pastel (mais pas mièvres) jouant sur les tons et les ambiances. Mais Manuele Fior est aussi un putain de narrateur quand même. Quand on lit, même si l'histoire n'est pas passionnante, on a du mal à décrocher. Je ne sais pas si c'est juste un grand graphiste mélangé avec un grand conteur, ou si c'est juste un gars avec un évident bagage technique et qui a réussit intelligemment à trouver la parfaite alchimie entre le plaisir de l'image et celui de la séquentialité.
Je n'ai pas été parfaitement conquis par l'histoire de ce livre, que j'ai trouvé un peu trop esquissé, j'aurais aimer rentrer plus dans la profondeur. Mais en même temps de rester un peu spectateur de ce récit, ca colle parfaitement à ce qu'il a voulu faire, un récit sur le passé et les actes manqués, comme si on revivait chaque instant de la vie passé des personnages, comme des souvenir. Ca nous permet de se dire à chaque fois, "ouais ca c'est passé ainsi, mais ca aurait pu se passer autrement si..."
Un beau livre, sensuel et terriblement nostalgique. Un peu déprimant aussi. Peut-etre trop.

Au recommencement, de Thomas Gosselin

Un dessin un eu étrange auquel j'avais un peu de mal à trouvé un vrai intérêt à la base (pourtant j'aime bcp la couverture). Pourtant à la lecture, le récit est si étrange, si décalé, carricatural, drôle et incroyablement intelligent, que le dessin m'est apparut hyper inspié, et à la parfaite image de ce récit.
J'ai rarement lu un livre aussi barré sans être trop dans le n'importe quoi, aussi intelligent sans être prétentieux, aussi bavard sans être chiant, aussi personnel sans être égocentrique... Bref un livre intrigant et passionnant, qu'il est bon de lire et relire, si on s'en donne le courage à la base.

Donjon crépuscule T.106: Révolution, de Sfar, Trondheim et Obion

Bon il faut bien de lire, pour moi Donjon est une série qui commencait sérieusement à battre de l'aile. Je sentait des auteurs qui se prenaient plus au sérieux qu'au début de la série, et des auteurs qui semblaient avoir moins de plaisir à écrire des scénarios. C'est marrant de développer des univers et des personnages, et il sont fort pour ca les deux gaillards. Seulement, quand il s'agit de créer un récit fleuve à un rythme d'enfer, on sent qu'ils s'épuisent un peu... (d'ailleur le rythme c'est terriblement atténué -certainement au cause des excursions cinématographiques de Joann Sfar, mais pas que, je pense qu'ils avaient un peu besoin de prendre du recul...)
Pourtant ce nouvel opus de donjon crépuscule à été le premier depuis bien longtemps (au moins 2 ans) à me procurer un vrai plaisir de lecture. Et en plus Obion dessine à merveille l'univers donjonesque, un vrai bonheur, ca bouge, c'est souple, ça vit!
En gros : C'est drôle, c'est frais, c'est original, c'est envolé, y a de l'aventure, du sexe, de l'action, de l'humour sous diverses formes. Tout ce qu'on aime dans donjon quoi. Et ça fait du bien.

Travelling square district, de Greg Shaw

Alors difficile pour moi d'être objectif, tant je suis fan du travail antérieur de Greg Shaw, et que ce type, sans aller jusqu'à dire que c'est un ami, je dirais que c'est un pote. (merci à lui de me l'avoir envoyé gratos par la poste)
Pourtant il faut bien le dire, ce gars là est très ingénieux, et sacrément doué.
Je n'ai pas été particulièrement emballé par le récit lui-même, assez banal malgré un côté satyrique très apréciable. Mais avant tout Greg Shaw est, comme il aime bien le rappeler lui-même, un auteur conceptuel. Et là le concept du bouquin, c'est tout simplement de la balle. Un parcours pictural sur une même image (celle de la couverture) sur laquelle on zoome pour se rapprocher d'une scène avec des personnages. Tout ca se croise et se recoupe, pour nous donner un récit policier assez bien foutu.
En plus, il s'est mit pour la 1ère fois aux dialogues, et il est plutôt bon dans le domaine, le bougre.
Chui pas jaloux, mais presque.

Love and Hat, de BigBen

Alors, un peu comme Greg Shaw, BigBen étant un pote, je part forcément avec une idée positive. Mais j'avoue avoir été particulièrement surpris (agréablement) par cet album. Moi qui l'ai toujours trouvé bon dans les dialogues, j'ai été surpris de le voir faire du muet. Et pourtant sacré réussite ! Il est parvenu a faire un album sacrément riche avec aucun mot.
Ca parle d'un homme portant un chapeau (melon). Il est gros et à un gros pif. En plus il a une profession pas très glamour: il est astronome. Comment quelqu'un ayant la tête dans les étoiles pourrait-il trouver l'amour sur terre? Pourtant, voilà bien un objectif que notre personnage principal à l'rai de s'etre fixé: trouvé l'amour. Il le cherchera partout, sous des formes différentes (agences matrimoniales, meetic, la voyance...)...
Il y a une vrai profondeur dans se bouquin, une poésie légère et un humour subtil. BigBen est très fort pour la satyre, j'adore son petit côté sarcastique (voir ceci par ex: http://groinge.free.fr/cxp/hotpouf2.gif), et cet album en compte un bon paquet. C'est un ensembles de petites histoires divisées en chapitres, et chacune ou presque à son propre ton, sa propre identité. C'est assez varié, et à chaque fois on est surpris par ce qu'il s'y passe.
Son meilleur album, sans aucun doute...

Sinon je lis un peu des mangas...

Pluto, de Naoki Urasawa et Takashi Nagasaki
d'après Osamu Tezuka

3 tomes parus en france pour le moment. Difficile de se faire un avis. Personnellement, je suis assez dubitatif. Je m'attendais peut etre à autre chose... Urasawa pour moi, c'est un auteur qui enchaine les cliffangers et les rebondissement à une telle vitesse qu'on à pas le temps de réfléchir. Du coup, c'est prenant, hyper prenant. C'est aussi un auteur qui parvient à créer un univers et une ambiance terriblement fascinante, sans pour autant piocher dans une imagerie collective voire populaire... C'est aussi un auteur qui sait créer des personnages qui ont une certaine consistance, une profondeur.
Là je ne retrouve rien de tout ça...
Le récit est plan plan, l'intrigue pas hyper passionante, et les personnages assez creux (c'est normals c des robots me dira-t-on!). Et c'est pas parce qu'il nous montre, par ex, un robot qui sait jouer de la musique belle à en pleurer que ca leur donne de la profondeur, au contraire, ca fait cache-misère.
Pourtant je dois avouer avoir apprécié le 3ème tome. On est un peu sortit du systématisme narratif des deux premiers (la mise en place a donc été un peu trop longue pour moi), pour enfin flirter avec un certaine sensibilité (l'humanité des robots) et un vrai récit (on est plus dans le "un robot se fait tuer, l'enquete piétine, un autre robot se fait tuer, l'enquête piétine encore, un autre robot se fait..."). J'attend de voir la suite.

Bienvenue dans la NHK, de Tatsuhiko Takimoto et Kendi Oiwa

J'avais adoré l'animé, acide, subversif, un peu dingue et sacrément drôle. J'ai été un peu déçu par son adaptation papier. Ca va trop vite, et les gags sont trop souligné, ce qui donne l'impression que les auteurs sont plus dans l'optique d'ouvertement se moquer des Hikikomoris (cette branches des Otakus japonais, qui en vient a se couper du monde et a rester enfermé dans leur chambre des mois durant, parfois des années). Alors qu'à la base, cette moquerie pousse plutôt à la réflexion sur la société et de la perception qu'on a des autres, de notre propension au préjugés, etc... Là, du coup, le propos est un peu trop en retrait, ça fait un peu gratuit. Néanmoins, si on prend un peu de recul, cette série reste un ovni trash (encore plus trash que l'animé par moment), qui n'a pas peur de démonter ses personnages principaux sans aucune pitié, de les rabaisser au niveau le plus bas de la loositude... Oui, tous les personnages important de NHK sont tous des loosers, de sacrés loosers même. Si la série a tendance à se répendre un peu dans la redite dans les 3 avant derniers volumes, le dernier enfonce bien le clou. Une curiosité, drôle et qui donne une vision de la société japonaise bien loin de l'édulcoration habituelle des shonens ou autres shojos... A lire tout de même donc, surtout si on s'intéresse à tout ce qui est japonaiserie.

Nightmare detective, de Shinya Tsukamoto

2010-05-09T15:43:00.000-07:00

http://www.commeaucinema.com/bandes-annonces/nightmare-detective,112577

Tokyo. Plusieurs personnes sont retrouvées sauvagement mutilées dans leur appartement. Alors que tout porte à croire qu'il s'agit de suicides, la jeune détective Keiko Kirishima découvre que les victimes ont composé le même numéro "0", avant de mourir. En suivant cette piste, Keiko va se retrouver sur la trace d'un serial killer hors norme : celui-ci a le don de s'introduire dans les rêves de ses victimes pour les pousser à se tuer dans leur sommeil. Pour arrêter l'assassin, elle fait appel à un homme mystérieux, le "nightmare detective", qui a lui aussi le pouvoir de s'immiscer dans les rêves des gens...

Après avoir vu ses deux célèbres et cultes films gores expérimentaux (Tetsuo et Tetsuo 2), j'ai eu envie de voir ce que donnait un film de Tsukamoto plus commercial. Eh bien bof bof. Moi qui m'attendais à une claque comme Suicide Club (il va falloir que j'en parle de celui-là), j'ai été déçu. Il faut dire que Nightmare détective, tout comme Ring ou Suicide club, ont été de vrais phénomènes au Japon. Ayant aimé Ring et Suicide Club, j'en espérais beaucoup. Surtout que le sujet, plutôt glauque, paraissait convenir à l'univers visuel de Tsukamoto... Alors visuellement, c'est une tuerie, oui. Tsukamoto est vraiment un grand esthète et un virtuose de l'image et du montage. Incroyable de voir ce qu'il est parvenu a faire avec un budget similaire a celui des films Death note: Les deux sont incomparables au niveau filmique.

Après: Trop de technique visuelle tue un peu l'ambiance et l'immersion dans le film. Et c'est bien dommage parce que pour un film se voulant proche de l'épouvante, voire de l'horreur, ben on a pas peur une seule seconde... Quelques instants de lègère tension par ci par là. Le scénar est à deux balles, ce qui est triste parce que le sujet est tellement vaste et ouvert que toutes les folies auraient pu etre tentées. Mais non, ca reste hyper classique, sans surprise. Le personnage du Nightmare detective, très charismatique, n'est presque jamais à l'écran, il n'est même pas le personnage central du film. C'est plutot l'enquêtrice qui l'est, l'actrice étant une chanteuse populaire nippone, je vous raconte pas l'étendue de son jeu, et on comprend bien pourquoi elle est au centre du film: faut bien rentabiliser sa présence... Bref grosse déception pour moi, le film est quand même bien loin d'être tout pourrit, certaines scènes sont super, mais un scénar trop simpliste et une réalisation trop froide font perdre au film toute la substance que l'ambiance visuelle et le sujet mettent en place...

Piano forest, de Masayuki Kojima

2010-05-09T15:39:00.000-07:00

http://www.dailymotion.com/video/x9kc6k_piano-forest-bande-annonce-du-film_shortfilms

L'un est un fils de bonne famille élevé dans l'ombre de son père. L'autre est un enfant des rues indomptable qui n'obéit qu'à ses instincts. Ces deux adolescents ont une passion commune: le piano. Mais l'un et l'autre cultivent un rapport différent à la musique. Pour le premier, c'est un challenge qui se gagne par l'effort. Pour le second, c'est l'expression secrète et ludique de sa nature profonde. Mais seul le second parvient à jouer du piano de la forêt...

Le rapport à l'autre et à la musique, la nuance du travail et du don, la poésie, le fossé socio-psychologique... Tels sont les thèmes principaux de ce dessin animé. Gentillet et ludique, il hésite dans une première partie entre un ton fantastique, voire onirique et un ton résolument réaliste, qui finira par s'imposer par la suite. Dommage peut-etre... il y aurait eu quelque chose a creuser. Néanmoins, la "seconde" partie et ce concours de piano est intéressante et amusante, donc pourquoi pas.
Un joli petit film tout public. Absolument pas essentiel, mais quand même plutôt original dans ses thèmes, et très agréable. Ca passe comme une sonate en ré mineur :)
en moins chiant

Pas grandiose, mais un bon petit film pour passer un bon petit moment quoi. C'est ce qu'on demande avant tout^^

Inglorious Basterds, de Quentin Tarantino

2010-05-09T15:20:00.000-07:00

Aujourd'hui, vite fait, j'aborde le dernier Tarantino:
Film en dents de scie, qui passe des passages ennuyeux (les passages sensé être des séquence de tensions, complètement plates... Heureusement les acteurs assurent sinon ca serait insupportablement chiant), aux pures fulgurances jubilatoire (les séquences violentes qui suivent généralement les scènes de soit-disantes tension. Un effet défouloir bienvenue).
Sinon, j'ai trouvé la scène finale du ciné très réussie. Et la scène du début (l'interrogatoire du fermier) très ennuyeuse et maladroite (surtout si on compare aux fantastiques scènes du même genre dans L'assassinat de Jessie James par le lâche Robert Ford, dans lequel il y une vraie tension, subtile, moite et palpable!).
Il faudrait que Tarantino cesse d'essayer de filmer les émotions (comme dans Kill Bill) ou les ambiances (comme ici) et qu'il continue de faire ce qu'il sait le mieux faire: être un trublion provoc et excessif. C'est cet aspect là qu'il a toujours le mieux réussit dans ses films ...
Ajoutons tout de même aussi à ce dernier point son côté "dico du cinéma de genre ambulant" et son cortège de références et citations, mais qui ne parle qu'aux cinéphiles... Ca il sait le faire, oui, et c'est amusant, bien que ça ne fasse pas un bon film...
Le film aurait pu être une merveille si la mise en scène avait réussit à parfaitement sous-tendre la tension qui devrait se ressentir de par le jeux des acteurs et la subtilité des dialogues. Là, les scènes de violences aurait eu une parfaite fonction cathartique (ce film est d'ailleurs une immense catharsis où les nazis semblent être devenus le défouloir de tous les maux de la terre), là je dirais que ca réveille tout au mieux.
Assez décevant donc malgré un bon concept et quelques excellentes idées.
Le film finit sur ces mots: "Je crois que c'est mon chef d'oeuvre".
Est-ce bien le personnages interprété par Brad Pitt qui parle, ou bien Tarantino le scénariste, le cinéaste?
J'ose juste espérer qu'il n'a pas eu cette prétention là avec ce film, ça n'augurerait rien de bon pour l'avenir de son cinéma...

--------------------------------------------------------------------

Je remarque que je parle beaucoup de cinéma ici, et surtout de films assez médiathiques... Ca la fout mal pour un soit-disant cinéphile.
La prochaine fois je vous parlerais d'un film bien moins connu (mais je sais pas encore lequel)...

Journée pro "BD" à Aix en Provence

2010-04-15T07:53:00.000-07:00

Lundi dernier, je me suis rendu en Aix en Provence assister à une journée professionnelle dédiée à "La création dans le Roman graphique". Déjà, j'avoue avoir été dubitatif devant cet intitulé, et particulièrement avec le terme de "roman graphique", sorte de fourre-tout qui ne veut pas dire grand chose... Terme qui connote en sus un besoin de la bande dessinée à se retrouver dans le sillage de la littérature romanesque lorsqu'elle cherche à gagner quelques titres de noblesse.
Le terme de roman graphique à été inventé aux Etats Unis (Graphic Novel) où, il faut bien avouer, l'image de la bande dessinée est longtemps resté celle des comics de super héros, un peu simpliste et plutôt destiné aux ados, voire aux enfants.
Remit dans ce contexte on comprend pourquoi des artistes comme Will Eisner, on voulu donner un nom plus prestigieux à une bande dessinée plus "adulte" qui commençait à émerger dans le pays. Personnellement, je reste persuadé de la maladresse de l'appellation, au travers de laquelle la bande dessinée ne semble pouvoir échapper à l'ombre du roman. Comme si elle ne pouvait avoir une existence propre et ainsi affirmer son identité. La bande dessinée à longtemps -et continue- à souffrir de gros préjugés, et ça n'est pas en se posant comme une éternelle sous-littérature qu'elle parviendra à échapper au joug de sa propre image.
Bref, avec un tel terme en énoncé, je ne pouvais que m'interroger sur le fond de la prestation des intervenants, qui étaient au nombre de 4:
Joseph Ghosn, responsable des chroniques BD des Inrockuptibles jusqu'en 2008 et qui a récemment sortit un bouquin intitulé: Romans graphiques : 101 propositions de lectures des années soixante à deux mille.
Ludovic Debeurme, auteur de Lucille, Le grand autre, Le lac aux velies
Joanna Hellgren, auteure de Frances, et de Mon frère nocturne
Laurent Lolmède, dernièrement auteur de carnets tel que Lolmède (!) en 2009
le tout animé par Pouria Amirshahi, un représentant de la Cité internationale de la bande dessinée d'Angoulème.
Des intervenants alléchants donc, qui devraient être logiquement assez non-consensuels dans leur propos, et qui expliqueraient au public pourquoi le terme de roman graphique est quelque chose d'un peu suranné, voire de complètement à côté de la plaque. Et pourtant... Que nenni !
Evidemment j'en attendais pas tant de Joseph Ghosn, qui ne peux qu'aimer le terme, l'ayant utilisé comme titre de son dernier livre. Il a même précisé qu'il le préfére à celui de Bande dessinée... Pourquoi pas, mais sans argumentation celà ne m'a guère convaincu. Enfin si, il a argumenté: le format physique des romans graphiques se rapproche de celui des romans: enfin de la BD qui ressemble à du livre! Et qu'on peut ranger sans rougir dans notre bibliothèque, à côté de Maupassant, Sartes et Boris Vian! Quelle merveilleuse argumentation, j'adore...
Seul Ludovic Debeurme a souligné qu'il n'appréciait pas particulièrement le terme, pour les raisons énoncées plus haut, mais il a précisé qu'il lui trouvait un intérêt: Il y voit, lui, une démonstration de l'idée qu'un artiste doit s'intéresser à d'autres arts que celui qu'il pratique s'il ne veux pas se scléroser. En citant le roman, on comprend donc que la bande dessinée s'influence d'autres médiums, ce qui ne peux que la rendre plus riche, diversifiée et intéressante. Soit. Mais son raisonnement se heurte à une évidence de taille: le terme de Roman graphique ne fait référence qu'au roman. Exit la poésie, le théatre, la peinture, la musique, le cinéma...
Après avoir fait un peu le tour du pot, les compères semblent désireux d'enchainer sur le sujet même: la création.
Voilà alors que chacun se met à raconter l'état d'esprit dans lequel ils travaillent, leurs influences, leurs oeuvres, etc. Des propos assez intéressant pour qui s'intéresse aux travaux de ces auteurs, mais qui devait être assez barbant pour qui ne les connaissaient pas, ou peu. Néanmoins quelque chose m'a encore gêné, après coup, le côté très centré sur soi-même et l'auto-félicitation qui deviendra une des récurrences de cette journée.
Le plus embêtant dans tout ça, c'est que l'image que nous renvoyait les intervenants sur le milieu de la BD était totalement complaisant et même erroné.
Si on en croit leur discours, aujourd'hui en BD tout est merveilleux, certains éditeurs sont géniaux et la position de l'auteur est aujourd'hui si bien respectée qu'il se retrouve en totale liberté créatrice, que tout est possible, c'est formidable !
Bien évidemment, ils parlaient là essentiellement du milieu "indé", effectivement bien plus libre et décomplexé que l'ensemble du marché BD. Seulement, ils ne l'ont JAMAIS précisés. Et quand cette nuance était suggérée, c'était pour parler de certains éditeurs indépendants bien précis (L'association en tête, suivit de Cornélius, et puis -un comble- Futuropolis nouvelle mouture -qui appartient à Gallimard et aux éditions Soleil ! Quelle indépendance!-), et lorsque Ludovic Debeurme a (à peine) évoqué un phénomène de récupération du "genre indé" de la part des gros éditeurs...
Un peu agacé de toute cette complaisance, et de cet acharnement à parler de romans graphiques pour parler de bandes dessinées ayant un format différent que le traditionnel 48 pages Cartonnées Couleurs, un homme dans le public intervint. Même si son intervention ne m'a pas paru d'une grande pertinence, il a eu le mérite de faire un peu sortir les intervenants de leur torpeur auto-complaisante, et les as positionné en porte à faux, face à leurs contradictions. Que répondre lorsqu'on vient de s'acharner à valoriser la liberté d'expression actuelle a quelqu'un qui vous cite quelques de démarches datant des années 70 (Bazooka en tête), signe évident que la dites liberté ne date pas d'aujourd'hui.
Je suis moi-même tombé tout récemment sur un bouquin de Jacques Zimmer datant du début des années 70 (aucune date d'édition n'est précisé, mais d'après les documents cités à l'intérieur, je pense qu'il a été publié en 1971 ou 1972), intitulé La bande dessinée (tout bêtement), et sortit chez les Cahiers de l'audio-visuel. Le livre débute avec ces lignes:

"La bande dessinée n'a plus besoin de défenseur: le temps n'est plus où toute préface se devait d'être nostalgique, agressive ou lyrique. [...] La B.D. est unanimement reconnue comme langage et chacun sait, depuis Esope que la langue charrie le pire et le meilleur: comme le cinéma, la télévision, la presse, le livre de poche, la bande dessinée est un phénomène de surconsommation."

Amusant (ou désespérant?) de voir qu'on a aujourd'hui toujours le même discours. Déjà dans les années 70, on avait donc l'impression que le médium, malgré les dérives de la production de masse, avait atteint une certaine forme de reconnaissance artistique... Mais puisqu'on n'a pas évolué dans le discours depuis près de 40 ans (aujourd'hui, disons-le tout haut, la BD est artistiquement reconnue et atteint des sommets de liberté créatrice), c'est bien qu'il y a un problème... Un réel soucis de recontextualisation de la part des artistes eux-même. Considérer ce qui à déjà été fait serait une preuve d'humilité (alors que là les intervenants se bornaient à expliquer au monsieur que Bazooka, ben c'est une revue mon gars, ça n'a rien a voir), et aussi de prendre du recul sur le contexte actuel (loin d'être si rose, et pour les indés loin d'être limité au travail de 3 maisons d'éditions...) leur permettrait certainement de ne pas me foutre en rogne (ce dont ils ont certainement rien à foutre).
Rajoutons que Lolmède semblait être là pour faire sa pub: il a été le seul à brandir bien haut son dernier livre, et ce quatre fois. Il l'appelle "mon cube", à cause de son nombre de page important je suppose. Ce qui soit dit en passant m'a bien fait rire, car pour ne réaliser que des carnets de vie il faut être un peu exhibitionniste quelque part. Alors qu'il s'empresse comme celà de nous montrer son cul(be) a de si nombreuses reprises, j'ai trouvé ça assez pertinent finalement.

Je tiens à préciser que je ne pense pas que c'était réellement une volonté, même inconsciente, de la part des intervenants. Ils étaient là pour parler de la BD indé, et du roman graphique, ils se sont plié à la demande des organisateurs, et se sont souvent retrouvé face à leurs contradictions sans réellement réussir à s'expliquer très clairement. Je pense que ce résultat (assez désolant) est dut au fait qu'il n'ont pas osé aller à l'encontre du principe même de ce débat. Ne pas vexer les organisateurs, ne pas vexer Gohsn, comme ça on peut tous rester copaing.
C'est beau l'a fraternité dans le milieu de la BD!

Je rajoute, enfin, que les interventions de Ludovic Debeurme étaient généralement intéressantes (même si le monsieur parle beaucoup, il sait bien articuler sa pensée à l'oral et parler en public, ce qui n'est pas mon cas, voilà pourquoi je ne suis pas intervenu), et que Joanna Hellgren était beaucoup moins locace que les autres, et qu'elle n'entre pas dans les critiques faites ci-dessus, car elle n'a parlé que d'elle et de son travail, elle ne s'est pas aventurée a faire un historique ni a philosopher sur des concepts, et n'a pas donné son avis sur les interventions des autres.

The Ghost Writer, de Roman Polansky

2010-03-23T02:00:00.001-07:00

J'ai toujours bien aimé Polanski en général, à part quelques rares exceptions (mettons Pirates et le Bal des vampires qui a salement vieillit, et je n'ai pas vu Oliver Twist...), même ses films souvent considérés mineurs, comme La jeune fille et la mort ou Frantic... Mais j'ai aussi toujours trouvé ses films assez faciles d'un certain côté ( répulsion: hyper prévisible, Rosemary's Baby: la scène d'accouplement avec le diable trop explicite, trop marquante, pas assez onirique pour qu'on croit à un cauchemard; Tess: un peu facile d'émouvoir avec une histoire si dramatique, s'en est même trop; Le pianiste: sujet tellement fort qu'il ne peux qu'être marquant). Ghost Writer est un bon Polanski, qui confirme une nouvelle fois son talent pour le polar, et la mise en place lente mais diabolique d'un système narratif qui isole le personnage de manière redoutable face à quelque chose qui le dépasse (on retrouve ça dans Répulsion, Rosemary's Baby, Chinatown, Tess, Frantic, La neuvième porte -mais moins réussit-, et quelque part aussi dans Le pianiste).
On parle beaucoup de ce film en terme de polar Hitchcockien, et si Polanski n'a pas le même génie technique que le maître, il arrive pourtant à s'en approcher par moment. Il avait déjà montré qu'il savait filmer des polars "à l'ancienne" avec Chinatown (1974 avec Jack Nicholson, hommages aux polars noirs des années 50), mais aussi avec Frantic ( 1988 avec Harrison Ford, et qui se passe dans un Paris contemporain), il le prouve à nouveau avec Ghost Writer.
Maintenant, il faut avouer quand on a prit l'habitude d'un cinéma plus dynamique, plus moderne (j'allais rajouter plus tape à l'oeil aussi mais ca serait oublier des films comme Zodiac de Fincher qui sont particulièrement sobres, plutôt lents, mais pourtant très modernes... et excellent!) on peux trouver Ghost Writer assez plat, voire ennuyeux. Néanmoins, l'une des principales force du cinéma polanskien c'est de progresser en intensité au fur et à mesure que le film avance. En celà The Ghost Writer est très représentatif de cet aspect, devenant de plus en plus diabolique jusqu'à son apogée: une magnifique séquence finale qu'il serait impardonnable de dévoiler dans ces lignes.
L'intelligence de la mise en scène de Polanski ne réside pas seulement dans la forme, sobre mais impeccable, mais aussi de savoir de reposer sur d'excellents acteurs et de parfaitement les diriger (je ne savais pas que Pierce Brosnan pouvait bien jouer!).
L'aspect hyper réaliste du scénario et de ses thématiques, ainsi que les échos au monde politique et médiatique réel auquel il renvoit sont un des aspects les plus intéressants du film. Malgrés tout, le scénario reste globalement pour moi la petite faiblesse du film (comme pour Shutter Island, mais comme c'est plus crédible et moins surfait ça passe mieux), malgré ses qualités évidentes, il est peut-être un peu trop simple pour être hyper attrayant, l'intérêt venant avant tout du traitement du cinéaste plus que des rebondissements scénaristiques, et la mise en place d'une vraie intrigue est peut être trop longue...
La fin, cette dernière séquence citée plus haut, est aussi scénaristiquement très très bof, difficile pour moi d'argumenter sans en dire trop. Mais ce potentiel ratage est sublimé par la plus merveilleuse idée de mise en scène du film: subtile, discrète, évocatrice, suggestive et à double sens de lecture. Une idée de maître, la seule où Polanski égale Hitchcock sans sourciller. Un scénario qui dans des mains différentes aurait pu faire un film ennuyeux, en somme.

L'univers est bien mystérieux (1)

2010-03-17T03:17:00.000-07:00

Suite à la demande de certains (ils se reconnaîtront) je remet ici mes tentatives d'hyper vulgarisation scientifique. J'espère trouver le temps de continuer, d'ailleurs.

Commençons par le quasi commencement de la physique moderne:

Newton et son Philosophiae Naturalis Principia Mathematica, où il établit ses lois sur le mouvement et sa célèbre théorie de la gravitation (souvenez vous: la pomme qui lui tombe sur le ciboulot!).

Cliquez pour voir en plus gros

Newton se servit des expériences de Galilée pour établir ses lois sur le mouvement. Ces expériences montraient qu'un corps roulant sur une pente est constamment poussé par une force (son poids), appelée la force cinétique, qui a pour effet d'augmenter constamment sa vitesse. Ceci implique qu'une force modifie la vitesse d'un corps, mais ça n'est pas elle qui le met en mouvement! Ainsi, dans un raisonnement parallèle, un corps, s'il n'est soumit à aucune force, continuera sa route en ligne droite et à la même vitesse.
C'est la 1ere loi de Newton.
La seconde loi calcule l'inertie: La vitesse d'un corps augmente proportionnellement à l'intensité de la force (en gros, si la force devient 2 fois plus intense, l'accélération doublera de vitesse), mais en même temps pour une force d'intensité donnée, l'accélération est d'autant plus faible que la masse du corps est importante (en gros, une même force d'une même intensité produira un effet deux fois plus faible sur un corps deux fois plus lourd).

Bon tout celà n'est guère passionnant, car se vérifie au quotidien (quand vous prenez la voiture par exemple) et est intégré dans la pensée collective, mais c'est important pour la suite.
Passons donc à plus interressant.

Selon les expériences de Galilée, il s'est avéré que les corps tombaient tous à la même vitesse... Si si!
Et la loi de la gravitation de Newton valide mathématiquement ce constat!
Cette loi dit que tout corps attire un autre corps selon une force proportionnelle à la masse de chacun...
Mais si on prend en compte les lois du mouvement, on peut avoir cet exemple:
Un corps 2 fois plus lourd subit une force l'attirant vers le sol (la gravitation) 2 fois plus intense... Mais en même temps, sa masse étant également 2 fois plus importante (puisqu'il est 2 fois plus lourd) son accélération est donc réduite de moitié. Par conséquent, ces deux effets s'annulent!!!

L'accélération reste la même quelle que soit la masse, et donc n'importe quel corps, quel que soit son poids tombe à la même vitesse!!!

Pourtant, vous allez me dire qu'une plume tombe moins vite qu'une bille de plomb... Mais c'est à cause de la résistance à l'air! Dans l'espace, sur la lune, où dans un quelconque endroit sans atmosphère, la gravitation est universelle, quelle que soit la masse du corps sur lequel elle agit.

Dans le prochain épisode, nous verrons quelle vision de notre univers celà implique.
Puis nous passerons à bien plus incroyable (et plus compliqué), avec la loi de la relativité restreinte d'Einstein.
Attendez-vous à voir notre univers sous un jour nouveau!

Sherlock Holmes, de Guy Ritchie

2010-02-16T06:17:00.000-08:00

je viens de voir Sherlock Holmes, de Guy Ritchie

Bon, faut pas être un fanatique acharné du détective de Baker Street, sinon on risque d'être déçu, voire outré. On a un peu un personnage de Sherlock Holmes à la sauce Indiana Jones (pour le coté séducteur perspicace, bagarreur invétéré, cascadeur chevronné, impétuosité naive et pour le surjeu amusant de l'acteur qui en fait des tonnes mais c'est ça qui est bien), mais point de vue pur divertissement, ça fonctionne plutôt pas mal. Il ne faut pas en demander plus, je crois. Le scénario ne brise pas 13 pattes à un dindon au niveau de l'originalité, mais les dialogues, le rythme du récit, et l'aspect fascinant du Londres victorien fait qu'on ne s'ennuie pas vraiment. On passe même un bon moment, je dirais. Les scènes d'action sont plutôt réussies (quelques grossièretés, notamment dans la scène du chantier naval, mais c'est habituel dans les blockbusters), et Guy Ritchie se prend même le luxe de réaliser la plus belle et impressionante scène d'explosion que j'ai vu au ciné. Alors certes, ça fait pas un film, mais puisque le film est chouette, c'est un petit plus qui fait plaisir.
Guy Ritchie est vraiment un réalisateur jemenfoutiste, mais virtuose. La mythologie de Holmes? Il s'en branle (mais ne filme pas comme un branlot pour autant), il s'amuse à la détourner, souvent de façon amusante, en frôlant parfois l'irrespect total de l'oeuvre originale. Les fans grinceront des dents, moi ça me fait plutôt marrer. Son talent pour méler action, intrigue et comédie, ainsi que le ton relativement détaché du récit et son inventivité narrative et formelle en font, je crois, un des meilleurs rejetons de Spielberg (pour ses films de divertissements)...
Rajoutons que les deux acteurs principaux sont parfaitement dans le ton, et portent la dynamique du film de manière admirable. Point noir pour la fiancée de Watson (interprétée par Kelly Reilly), qui est tout simplement mauvaise, très mauvaise même. La voix française n'aidant pas, il faut dire, mais déjà son jeux est complètement à coté de la plaque sur au moins 2 scènes. Il faut dire qu'il est difficile de briller aux côté de Robert Downey Jr, tellement son jeu à un tempérament écrasant...
Même si d'un côté je regrette qu'une super intrigue policière qui troue le cul comme on en trouve dans les romans de Doyle soit absente au profit d'un film plus simple mais bien mené, je dois bien avouer que ça fait plaisir de voir un bon blockbuster réussit de temps en temps, surtout qu'ils se font rares. Par contre mon plus gros regret, je crois, c'est une grosse édulcoration du côté cocaïnomane du détective, puisque cet aspect est tout bonnement absent du film... Mais nous avons à faire avec un blockbuster qui vise un large public, et c'est pas beau pour les enfants ça Mr Holmes, répétez après moi: "la drogue, c'est maaaaal". Bref. Il y a tellement de choses à faire avec une telle addiction (sur un plan psychologique mais aussi sur un plan comique, plus dans le ton du film) que j'ai été déçu par cette absence que j'estime de taille.
Me reste à espérer qu'un jour des scénaristes inspirés parviendront à nous pondre une véritable intrigue Holmsienne réussie au cinéma, ce qui n'a jamais été le cas pour l'instant.

Angoulème 2010: point de vue sur le palmarès

2010-02-03T08:35:00.000-08:00

Comme chaque année, la révélation du palmarès du festival d'Angoulème ne se fait pas sans réactions de mécontentement et autres railleries... Mais cette année tout particulièrement, les résultats sont bien étranges. Déjà la divulgation de la sélection officielle était surprenante sur plusieurs aspects:

- Je m'interroge encore sur la présence de l'intégrale de la guerre d'alan, certes magnifique (je l'ai acheté pour l'offrir a noël), mais qui reste un ensemble d'albums parus il y a quelques temps maintenant, et qui ont été déjà sélectionné (au moins le T.3 de souvenir).
- La sélection de Dungeon Quest de Joe Daly, plutôt que de son précédant album sortit début 2009: The red monkey. Tout aussi original et déjanté, mais assurément plus prenant dans sa lecture (Dungeon Quest est plus une suite de sketches qu'un véritable récit).
- Etrange également cette sélection de Billy Brouillard, sortit en novembre 2008 ! Novembre c'est tard, certes, mais cette année par exemple L'ancien temps, de Joann Sfar, est sortit en novembre 2009 et à été sélectionné... Alors OK, Bianco est un inconnu du palmarès, et Sfar est un habitué du palmarès... Ca explique beaucoup de chose... Il y a une véritable forme d'injustice, de plus Billy Brouillard à peut être prit la place d'un autre livre paru en 2009 qui aurait lui aussi mérité sa nomination... Comme Dieu en personne, par ex... Ce qui nous amène à notre 4ème et dernier point:
- L'oublie scandaleux de Dieu en personne, l'album de Marc Antoine Mathieu, bien au dessus du lot que la quasi globalité de la sélection. Un oubli inconcevable, incroyable, Angou l'a fait! Bien sûr on me dira que mon avis est totalement subjectif, et pourtant le forum bulled'air par exemple le consacre meilleur album de l'année, ex-aequo avec Blast de Larcenet... Je ne suis donc pas le seul de cet avis... Je serais à peine étonné de le voir dans la sélection officielle de 2011 alors qu'il est sortit en septembre 2009!

Sinon je suis très content pour Tea Party de Nancy Peña, même si je lui préfère son précédent: la chat du kimono, oublié l'année d'avant.

Le palmarès 2010:

Fauve d'or (meilleur album): Pascal Brutal T.3, de Riad Sattouf. (Fluide Glacial)

Très étrange que cet album soit L'INDISPENSABLE de l'année. Au début j'ai cru à une blague (genre le site du festival piraté par un copain à Sattouf), c'est dire... Et pourtant, non. Il est vrai que les albums d'humour sont rarement primé à ce niveau, tout comme les comédies au cinéma, pourtant on ne peut nier que Sattouf soit un vrai auteur, avec du style et du talent. C'est un fait, le bougre est un as de la satyre sociale. Pourtant, il faut bien avouer que ça n'est très certainement pas la série la plus intelligente et intéressante de l'auteur, et surtout il ne faut pas oublier que le reste de la sélection contenait de sacrés oeuvres telles que George Sprott (Seth), Blast (Larcenet), Jolies ténèbres (Velhmann et Keraskoët), Le Petit Rien tout neuf avec un ventre jaune (Pascal Rabaté), Pachyderme (Frédérik Peeters) ... Gageons qu'on aurait bien aimé pouvoir assister à l'échange des jurés tant les arguments semblent difficile à poser face à des "monstres" tel que Seth ou Larcenet, ou à l'originalité de ton d'un Pachyderme ou d'un Jolie Ténèbres (notez que ces deux derniers albums ne m'ont pas plus transcendé que ça, cf mes chroniques sur du9.org, mais je les trouve néanmoins bien plus intéressants sur de nombreux points)...

Fauve de la série: Jérome K. Jérome Bloche, de Dodier. (Dupuis)

Une série policière grand public comme on en fait plus. L'hommage pour l'ensemble du travail de Dodier sur cette série est tout à fait compréhensible, voire mérité.

Prix spécial du Jury: Dungeon Quest, de Joe Daly (l'association)

Prix certainement mérité, mais qui fait regretter la non sélection de Red Monkey, son précédent bouquin. Notons que la démarche (faire de l'Héroïc Fantasy drôle et originale) est saluée par le jury. Un appel?

Prix Intergénérations: Messire Guillaume: L'esprit perdu, de Gwen de Bonneval et Mathieu Bonhomme. (Dupuis)

Ah voilà un des nouveau prix de cette année. Le prix "intergénérations":Un grand n'importe quoi, qui signifie en somme "la BD qui plaira de 7 à77 ans"... Notez que L'esprit perdu (en fait une intégrale de l'excellente série d'aventure Messire Guillaume) est très certainement la seule bande dessinée de la sélection officielle à pouvoir être appréciée de la même façon par une très large tranche d'âge (avec peut être Billy Brouillard, mais la mort et les cauchemars sont moins tout public tout de même)... C'était pas bien compliqué de choisir!

Prix regard sur le monde: Rébétiko, de David Prudhomme. (Futuropolis)

Encore un nouveau prix vraiment vaseux... On ne comprend pas bien ce qu'il signifie, alors lorsqu'on voit que Rébétiko à été primé, on se dit "Ah OK", mais c'est pas plus clair pour autant.

Prix de l'audace: Alpha connection, de Jens Harder. (Acte Sud - l'an 2)

Voilà certes un album audacieux, original et aux pages somptueuses. A quand un prix pour Pierre Duba, L.L. De Mars ou Greg Shaw alors? Ah mais oui, suis-je bête, il faudrait d'abord qu'ils soient nominés !

Prix du patrimoine: Paracuelos, de Carlos Gimenez. (Fluide Glacial)

Ah ben tiens voilà qu'une série déjà primée à Angoulème (Paracuelos T.1, meilleur album en 1981) est à nouveau récompensée? Il n'y avait pas de place pour les autres? Ou alors c'est pour primer un 2ème album pour Fluide Glacial, maison d'édition d'humour, qui avait décidé de ne pas venir au salon cette année là... C'est des coquins ces jurés, c'est à croire qu'ils veulent vraiment les revoir l'année prochaine !

Prix de la révélation de l'année: Rosalie Blum, T.3, de Camille Jourdy. (Actes Sud BD)

Je n'ai jamais lu d'album de Camille Jourdy, mais c'est normal: c'est la révélation de l'année! Etonnant alors que ce soit seulement par ce tome 3 que le talent de l'auteure ai été révélé au monde!Il leur faut du temps à angoulème pour découvrir les nouveaux anciens talents...

Fauve jeunesse: Lou T.5, de Julien Neel. (Glénat)

Effectivement Julien Neel à beaucoup de talent, bien sûr Lou est une des meilleures séries jeunesse du moment, et cet album l'un des meilleurs de la série (le 2eme meilleur à mon sens). Mais Lou à déjà été primé pour son tome 1, dommage de la récompenser à nouveau car elle n'est pas la seule à être de grande qualité! Par exemple, le T.3 de la série le voyage d'Estéban de Mathieu Bonhomme (en compétition) à été un petit miracle de la BD jeunesse de cette année, mariant allègrement aventure, tragédie, suspense, fantastique et humour. Mathieu Bonhomme confirme le prix de la révélation de l'année qu'il à reçu en 2003 pour l'âge de raison. Dommage que le festival n'assoit pas cet auteur, principal acteur d'un renouveau du classissisme inspiré par les années 70, comme le grand raconteur et grand dessinateur qu'il est.

Prix du public: Paul à Québec, de Michel Rabagliati (La pastèque)

Gros buzz sur la toile, comment cet album, pas encore paru en France, aurait-il pu avoir le prix du public?! Mael Rannou l'explique fort bien sur le site du9, et l'on se réjouira alors que ce soit une bonne série et une toute petite maison d'édition qui remporte ce prix.

Prix de la BD alternative (Fanzine) : Spécial comics N°3.

Aucun avis, n'ayant pas lu ce fanzine...

Quelques questions sur les mangas

2010-01-15T04:21:00.000-08:00

Pour le boulot, j'ai rédigé quelques questions de base concernant le manga. Destiné initialement aux enfants lors d'une rencontre autour de la Bande Dessinée, ces questions-réponses peuvent également assouvir la soif de connaissance des néophites en la matière désireux d'en savoir un peu plus.

- Pourquoi les mangas sont-ils en noir et blanc ?

->Les mangakas (auteurs de manga) doivent fournir 20 à 30 pages par semaine pour des revues hebdomadaires. C’est un rythme gigantesque quand on sait qu’en France un dessinateur sort en moyenne un album de 48 pages par an. Laisser en noir et blanc permet d’éviter la très longue étape de la mise en couleur.

- Pourquoi les mangas ont-ils des codes graphiques (style de dessin : gros yeux, visage anguleux, traits de vitesse…) très souvent similaires ?

-> Toujours pour ses raisons de gain de temps, les mangakas s’entourent d’assistant pour les décors, l’encrage, et certains personnages secondaires. Afin que les assistant puissent s’adapter au dessin de leur « maître », il faut que les codes graphiques soient plus ou moins tous les mêmes chez tous les dessinateurs. -> forme d’industrialisation du graphisme.

- Pourquoi les mangas ont-ils autant de pages (200 environ par volume) ?

-> Toujours pour des raisons de gains de temps, mais aussi de dynamisme narratif, les mangas n’ont généralement que peu de cases par page (en moyenne 6). Le nombre colossal de page d’une même histoire permet aux auteurs de prendre leur temps, et de dilater les scènes. Une scène de quelques minutes peut s’étendre sur une centaine de pages, alors qu’en France ca serait une perte de temps par manque de place. Du coup, si on veut que l’histoire avance un peu, il faut éditer des volumes de 200 pages qui seront suffisamment dense pour ne pas être trop frustrant.

- Pourquoi les mangas ont-ils autant de volume ?

-> Pour les mêmes raisons que le nombre de pages : la dilution de l’histoire. De plus le succés explique la longévité. Les séries les plus longues sont toujours des séries à succés. Néanmoins une série courte peut aussi être une série à succés. L’arrêt de celle-ci est alors un vrai choix de l’auteur.

- Pourquoi certains mangas se lisent « à l’endroit » ?

-> Parce que les éditeurs français ont décidés de scanner les pages à l’envers, afin de permettre aux lecteurs non initiés de se mettre au manga. De plus certains estiment que lire les images de droite à gauche et puis lire l’intérieur des bulles dans l’autre sens (puisque les textes sont traduit en français), gêne forcément la lecture. Cette démarche est de plus en plus rare car les lecteurs se sont habitués au sens de lecture original.

- Les mangas sont-ils violents ?

-> Oui et non. D’abord il s’agit d’une question de culture. La violence au Japon est considérée comme humaine, et elle est généralement contrebalancée par des valeurs profondéments bonnes (amitié, persévérance, justice…), surtout dans les œuvres destinées aux adolescents -> idée du Yin et du Yang, d’équilibre. Il faut aussi savoir que les sujets des mangas sont très divers, et qu’ils s’adressent ainsi à différents types de publics et de catégories socio-professionnelles. Il y a les mangas pour jeunes filles, pour jeunes garçons, pour enfant, pour adulte, pour médecin, pour musicien, pour boulanger, pour travailleur en usine, ou de bureau… Ce qui fait que certains mangas pourront être très violent, alors que d’autres peuvent montrer juste un homme en train de se promener (l’homme qui marche, de Taniguchi).

- Les mangas sont-ils tous japonais ?

-> Depuis quelques années, de jeunes auteurs européens ou américains qui ont grandit en lisant du manga s’en inspire, que ce soit au niveau du graphisme ou au niveau de la narration. Mais on ne peut pas appeler ça du manga, mais plutôt une « inspiration manga » (comme Philippe Cardona, dessinateur de Serge, le hamster de l’enfer). Certains vont plus loin, en réalisant de vrais mangas en France (comme Reno Lemaire, créateur de Dream Land, qui habite Montpellier), ou d’autres s’expatrient carrément au Japon pour y devenir mangaka (comme Frédéric Boilet). Néanmoins ceux-ci ne travaille généralement pas à la japonaise, même Boilet, ne s’entourant pas d’assistant, et produisant à un rythme bien inférieur.

Les déchets nucléaires bientôt à la maison?

2010-01-06T05:46:00.000-08:00

Le gouvernement à fait passer un décret en mai 2009 qui est passé inaperçut, noyé dans un flot de lois et autres décrets, qui autorise à éliminer les déchets nucléaires en les diluants dans divers produits de consommation courante ! Et ce contre l'avis même de l'ASN (l'Autorité de Santé Nucléaire) !
Ce qui est particulièrement révoltant c'est cette façon de faire passer ça en douce, ça n’est pas une loi votée par le Parlement, c’est un Arrêté !!!... publié par le Gouvernement sous forme d’une dérogation. Comme si ça n'était pas une décision importante qui concerne tout le monde et qui mériterait une étude approfondit des conséquences potentielles de la chose, et d'une vrai Loi.
Tout comme dans l'article ci-dessous, je me demande même comment une idée pareille à pu germer et paraître essentielle (quitte à peut-être créer un scandale sanitaire dans les années à venir) dans la tête de nos cher dirigeants...

A quand des déchets radioactifs dans nos assiettes?

En savoir plus ici:
http://www.agoravox.fr/actualites/politique/article/des-substances-radioactives-67523

et ce n'est pas une blague la preuve (on peut même lire le décret en lien sur cette page du criirad, ceux qui ont dénoncé ce décret):
http://www.criirad.org/mobilisation/5mai2009.html#1

Critique: Save the green planet

2010-01-04T05:34:00.000-08:00

En ce moment je suis pas mal dans une période cinéma asiatique, et particulièrement japonais, mais c'est d'un film Coréen que je voudrais vous parler.

Réalisé par Jung Jun-Hwan

Les Extra-terrestres sont parmi nous et nous manipulent à notre insu. C’est du moins ce dont est persuadé pour d’obscures raisons Lee Byeong-Gu, un jeune apiculteur exalté, et habillé d’un costume improbable fait avec des objets de récup… Lui et sa compagne décident donc d’enlever leur chef, officiellement PDG d’une grosse entreprise chimique, et accessoirement à l’origine de la plupart des malheurs de sa vie...

Trouvant parfois difficilement sa voie, entre culture asiatique et fantasmes hollywoodiens, le cinéma de genre sud-coréen connait malgré tout quelques grandes réussites tels que The Host, Memory of murder, 2 sœurs, Sympathie for Mr Vengeance, Volcano high, My wife is a gangster, Old Boy… Pourtant Jung Jun-Hwan réussit avec Save the green planet à faire un film remplit de référence au cinéma de genre américain (On y trouve des références explicites à 2001, l’odyssée de l’espace, à E.T., Usual suspect ou Men in black… Mais aussi aux séries Z à la Ed Wood !) tout en gardant un ton original, détournant les références au profit d’un humour, d’une folie et d’une violence propre au cinéma Coréen... On retrouve d’ailleurs dans ces domaines là, quelques similitudes avec le travail de Park Chan-Wook (Old Boy et Sympathie for Mr Vengeance, dont je parlerais ici plus tard), virtuose des films de genre.

Véritable melting pot, ce film réussit le pari de rendre cohérent des styles différents, souvent très codifiés. Ainsi, le récit commence comme une comédie absurde, puis vire vers le thriller et le film d’angoisse et de torture, effectue ensuite quelques diversions vers la comédie policière et le film de Kung Fu, pour s’enfoncer vers le film de serial killer sadique, avec quelques lueurs de science fiction… Si par moment on à réellement l’impression d’être face à un film fourre-tout, ce qui frappe à la fin du visionnage c’est la cohérence de l’ensemble et l’originalité qui résulte de cette agglomération des genres… Un renouvellement constant particulièrement réussit, qui relance sans cesse l'intérêt du spectateur!

Le personnage principal est un délice d'ambiguité. Tout l'intérêt du récit (outre ses errances dans divers genres) réside dans cet équilibre entre folie furieuse et véracité, entre réalité psychologique et véritable science fiction. Le spectateur est sans cesse balloté dans un doute permanent, qui le tient en haleine. Shin Ha-Gyun interprête parfaitement bien cette ambiguité, et on n'arrive jamais vraiment à savoir si il dit la vérité ou si il est vraiment détraqué de la caboche... Au final, le réalisateur nous rappelle, par ces multiples citations, que tout ça n'est rien que du cinéma, et que l'on peut suivre des délires purement cinéphiles avec plaisir. Un plaisir de cinéma pur et dur.

Astuce freebox HD

2010-01-03T02:57:00.000-08:00

Si vous voulez récupérer sur votre ordinateur une vidéo enregistrée sur votre freebox HD, il y a une astuce très simple pour y parvenir:

Sur la TV/telecommande 1 appui court sur le bouton "free"/configuration/défile à droite jusqu'à "FTP"/activer (si c'est pas déjà fait) mot de passe à créer (4 chiffres) par défaut c'est vide/ notez au passage utilisateur "freebox" et l'adresse ftp "ftp://freebox@hd1.freebox.fr"

Il faudra peut-être de relancer la freebox adsl.

Sur le pc: "favoris réseau" (sur le bureau ou dans poste de travail dans les liens supplémentaires dans la colonne de gauche) /ajouter un favori réseau/suivant/suivant/ sous "adresse reseau" il faut rentrer l'adresse ftp "ftp://freebox@hd1.freebox.fr"/suivant/ un nom: "hd1.freebox.fr" par exemple/nom d'utilisateur: "freebox"/mot de passe (celui que vous avez choisi (sinon c'est vide par défaut)/cocher "enregistrer le mot de passe".
Ensuite l'explorateur s'ouvre: vous avez acces au disque dur de la Freebox HD: "Disque dur"/double clic "enregistrement", éventuellement "vidéos" et les videos apparaissent. Il ne vous reste plus qu'à faire un copier/coller sur votre PC.

Notez que certaines chaines (comme TF1, M6 et la plupart des chaines payantes) ne permettent pas l'enregistrement partagé. Il faut comprendre que vous ne pourrez voir ces vidéo que sur votre freebox HD, il vous est impossible de les obtenir d'une autre façon. Ces vidéos sont reconnaissable sur votre HD car elles ont un petit cadenas sur leur icone.

Les vidéos téléchargées ainsi sont récupérées au format .TS
Un format qui est normalement lu par windows media player (à partir de la version 10 je crois), mais si ca ne fonctionne pas, je ne saurait trop vous conseiller VLC qui devrait le lire sans problème.

N'oubliez pas non plus que les vidéos ainsi téléchargées sont destinées au cercle familial uniquement, tout comme les bons vieux enregistrement VHS en leur temps...
Sachez enfin que le temps de téléchargement est assez long: quasiment une heure pour une vidéo de 90 min.

Avatar: chef d'oeuvre ou grosse bouse?

2009-12-20T14:49:00.000-08:00

Chef d'oeuvre, bien évidemment que non. Grosse bouse, pas vraiment non plus... Le film de Cameron serait-il alors un bon film de divertissement sans autre prétention?

Comme on pouvait s'y attendre, le scénario d'Avatar semble écrit sur les toilettes par un enfant de 8 ans qui aurait beaucoup d'imagination, mais une imagerie fleur bleue et un propos métaphoriquement naïf et aussi banal que de trouver du pain dans une boulangerie.
Comme on pouvait s'y attendre les effets visuels sont une pure tuerie, on a jamais vu ça, et la 3D est généralement plutôt réussie et donne une magnifique immersion dans l'univers de Pandora.

Avatar, film prétexte à l'éblouissement collectif, à l'émerveillement par un déluge technologique aussi sidérant que fascinant. Pourquoi pas? Le cinéma de Cameron n'est généralement pas plus profond que ça, et le principe de la 3D se prête parfaitement à l'idée même de divertissement pur.
Pourtant, un film doit-il se limiter à la pure délectation visuelle? Ne doit-on pas raconter une histoire digne de se nom si l'ont veux donner l'impression de passer 2H40 à observer une carte postale animée?

Bien sûr Cameron est un narrateur, il sait conter un récit, mais quand il n'y a rien à raconter, l'ennuie n'est jamais bien loin. Heureusement, au cinéma, grâce à cette immersion 3D et à ses effets visuels "magiques" (oh des plantes qui s'illuminent quand on les touche! oh des plantes qui s'illuminent quand on passe à coté! oh des plantes qui s'illuminent quand on se connecte à leur branches! Ah ça, des plantes qui s'illuminent vous allez en bouffer!) on ne s'ennuie presque pas. Ou par intermittence, mais jamais bien longtemps.
Mais tous ces effets, toute cette élaboration d'un monde merveilleux n'est qu'un cache misère et je suis prêt à parier qu'une fois sur petit écran et en 2D, la poudre au yeux deviendra mélasse, et que ces innombrables scènes de pur bonheur contemplatif deviendront aussi répétitives qu'interminables. On est loin de la féérie et la poésie d'un Miyasaki, et pourtant le potentiel visuel est là.

Avatar, film de spectacle? Oui. C'est une certitude. Dommage que le spectacle réside plus dans le rendu visuel que dans les évènements. Cameron s'évertue ponctuellement à tenter de ranimer l'intérêt du spectateur à chaque fois qu'il traine un peu trop sur la description de son univers. Il a bien raison car tous ne sont pas des passionnés de botanique ou d'Ushuaïa Nature... Malheureusement les péripéties sont aussi insipides que navrantes: le héros se retrouve tour à tour pourchassé par une sorte de rhino en rut, puis par une sorte de dino pas beau, puis par une horde de monstres situé entre le loup et la hyène ayant fait un stage chez Resident evil, puis par une sorte de rapace géant, et enfin par de gros Marines américains armés jusqu'aux dents... Bref, l'inventivité scénaristique saute aux yeux !
Avatar, film de spectacle, où la description purement visuelle d'un monde est plus importante que la définition socio-culturelle et ethnique de son peuple. En effet, la société Naa'vi est à peine esquissée, réduite en une caricature de primitivité, ce qui est vraiment dommage car on aimerait en savoir plus sur eux. Cameron préfère nous montrer un nombre incalculable de plantes phosphorescentes plutôt que de nous intéresser à la tribu dans laquelle Jake Sully doit réussir à s'intégrer. Il favorise également une sorte d'histoire d'amour improbable qui semble arriver un peu rapidement. Avatar, plus proche de Pocahontas que de Danse avec les loups.

Seule la dernière demi heure offre son lot de spectacle visceral. Cameron n'a rien perdu de sa science de la scène d'action, et prouve qu'il est bien meilleur narrateur de grosses batailles armées que Peter Jackson, George Lucas ou Andrew Adamson.

Attention aux SPOILER:
Que dire encore d'Avatar, si ce n'est que le message qu'il délivre dans cette allégorie manichéenne de la conquête de l'ouest? La simplicité n'est pas forcément un défaut, elle peut être très efficace dans le domaine du divertissement, si l'on sait broder autour et bien rythmer son récit. Les élucubrations mystiques de la fin ne sont pas sans rappeler les scènes les plus magiques de Princesse Mononoke , mais là ou le traitement "à l'ancienne" (et le respect de la tradition qui en découle) de Miyazaki colle au propos panthéiste du récit, dans Avatar, la prédominance de la technologie (effet ordi, 3D) ôte du charme et de la cohérence à ces scènes. Notons également que l'histoire montre la technologie, création humaine, comme le mal absolu: la technologie contre la nature, l'éternel débat naïf et stupide du XXeme et de ce début de XXIeme siècle. Même Wall-E à été plus fin. Et pourtant, l'avatar dans le film est le produit même de cette technologie, et c'est lui qui ramène l'équilibre. Mais n'oublions pas qu'en même temps son aspect technologique est finalement abandonné au profit d'un corps purement vivant: Le bon sens favorise la nature, la vie... L'histoire d'Avatar semble vouloir valoriser le retour aux sources, et diabolise la technologie sans âme...
Etrange message que nous délivre Cameron alors que son film en tant qu'objet est un prétexte à montrer un savoir-faire technique, une sorte d'apologie de la technologie, une technologie qui -il le dit lui-même- va bouleverser le cinéma! Une technologie qui, en sommes, est celle de l'avenir, au même titre que l'a été l'arrivée du son ou de la couleur en son temps, et qui condamne toute autre forme de cinéma à devenir ringard voire obsolète... Un principe qui va à l'encontre de cette "morale" à deux balles portée par l'histoire d'Avatar qui voudrait valoriser un retour à la tradition, à ce qui est "vrai"... De cette incohérence résulte le plus grand défaut et la plus grande force de ce film: sa capacité à faire parler plus du cinéma que du film lui-même.

Osamu Thomson

2009-12-10T00:32:00.000-08:00

Je suis en train de chercher des images pour illustrer ma prochaine chronique sur Du9, sur la biographie dessinée de Tezuka Osamu sortie chez Casterman (collection Ecriture), et j'ai bien rit quand j'ai vu que les commentaires sur cet album étaient ceux destinés à Un américain en balade, de Craig Thomson...
la preuve:

Ils sont fort chez Caster...

Chou rouge aux pommes

2009-11-25T01:39:00.000-08:00

Comme ce très cher Guillaume Long m'a fait baver en ouvrant son blog A boire et à Manger, j'ai eu aussi envie de mettre de temps en temps des recettes simples à réaliser et que j'aime bien. Mais comme je suis paresseux, je ne vais pas dessiner, ou alors quelques rares fois !

Quand le nom devint marque

2009-11-12T06:00:00.000-08:00

lu sur wartmag...

Le Blog de Franquin bientôt retiré de la vente
Sur son Facebook, Éric “Turalo” Dérian presse ses lecteurs d’acheter l’album Le Blog de Franquin, dont le retrait de la vente a été demandé à Drugstore par Marsu Productions, dépositaires de la marque “Franquin”. Né sur le web, publié par les éditions online Foolstrip, l’album cartonné scénarisé par Piak venait de sortir en librairie chez Drugstore, propriété du groupe Glénat. Selon la maison d’édition qui confirme l’info, une solution amiable ne serait hélas pas envisageable.

Bien que l'album ne soit pas d'une très grande qualité (je m'en tiens a ce que je connais du blog, n'ayant pas lu le livre), et que la volonté évidente de Drugstore est de se faire du fric facilement sur un nom connu, la démarche à ceci d'intéressant: elle montre qu'un nom d'auteur peut devenir une image de marque voire carrément une marque... Sous prétexte de défendre l'image d'un auteur (et d'un grand), sous couvert d'une soit-disante respectabilité due à la mémoire d'un artiste défunt, on nous rappelle que la liberté artistique n'a pas lieu d'être face à l'argent. Et un nom célèbre, c'est de l'argent potentiel. Beaucoup d'argent même... Merci, Drugstore, merci Marsu Production de nous rapeller que vous vendez une imagerie frelatée sur le dos de génies on ne peut plus célèbres, et qui n'ont plus leur mot à dire dans l'histoire... Avec Disney et Moulinsart, nous avions faillit oublier...

IgNobel 2009

2009-10-30T05:35:00.000-07:00

L'Ig Nobel Prize est un prix parodique décerné à des personnes ayant accompli des performances particulièrement remarquées pour leur excentricité et qui apparaissent (selon les cas) comme inutiles, ridicules ou nuisibles.

En voici les grands vaincoeurs:

L’Ig Nobel de médecine vétérinaire a été attribué à Catherine Douglas et Peter Rowlinson de l’université de Newcastle. Ils ont montré que les vaches à qui on avait donné un nom produisaient plus de lait que leurs anonymes congénères.

L’Ig Nobel de la paix intéressera les buveurs de bière. Stephan Bolliger, Steffen Ross, Lars Oesterhelweg, Michael Thali et Beat Kneubuehl de l’université de Bern, en Suisse, se sont intéressés à l’impact d’une bouteille de bière sur un crâne. C’est contre-intuitif, mais il parait qu’une bouteille vide fait plus mal.

La crise économique a pesé sur le jury au moment de décerner l’Ig Nobel d’économie. Ce dernier va aux dirigeants de quatre banques islandaises qui ont, écrit l’académie des Ig Nobel, “démontré que les petites banques pouvaient être transformées en géantes, et vice versa. Et qu’une chose similaire pouvait être envisagée avec une économie nationale”.

Alcool encore, l’Ig Nobel de chimie est décerné à des scientifiques mexicains qui ont créé du diamant à partir de tequila .

Côté médecine, les Ig Nobel ont récompensé une étude sur la relation entre l’arthrite et le fait de se faire craquer les doigts. Donald L. Unger s’est intéressé au cas d’une personne qui a fait craquer pendant soixante ans ses os de la main droite, mais jamais ceux de la main gauche…

L’Ig Nobel de physique a été attribué à Katherine K. Whitcome et à ses collègues. Leur sujet d’étude ? Les femmes enceintes et les douleurs lombaires. Ou, comme le résume l’académie, “pourquoi les femmes enceintes ne basculent pas” ?

Du côté des lettres, l’Ig Nobel de littérature a été attribué à la police irlandaise. Cette dernière a verbalisé des dizaines de fois le citoyen automobiliste polonais Prawo Jazdy. A chaque fois, son permis indiquait une adresse différente. La police a éclairci le mystère. Prawo Jazdy signifie “permis de conduire” en polonais…

L’Ig Nobel de santé publique va réjouir les femmes. Il couronne les recherches de Elena N. Bodnar et de son équipe qui ont inventé un soutien-gorge qui peut se transformer en masque à gaz, “en cas d’urgence”

Crise économique encore, l’Ig Nobel de mathématiques couronne le gouverneur de la banque centrale du Zimbabwe et ses billets de 100 000 000 000 000 de dollar.

L’Ig Nobel de biologie couronne des chercheurs japonais qui ont montré qu’une bactérie présente dans les excréments de panda permettait de réduire de 90 % la masse d’ordures de cuisine.

...

je dois avouer être un poil déçu cette année, rien de comparable avec 2007 ou 2008 où on avait quand même:

Paix: The Air Force Wright Laboratory, à Dayton, pour leur travail de recherche et développement sur une arme chimique, la « bombe gay », qui rend les soldats ennemis sexuellement irrésistibles pour leurs frères d'armes.

Biologie : Marie-Christine Cadiergues, Christel Joubert et Michel Franc de l’École nationale vétérinaire de Toulouse pour avoir découvert que les puces qui vivent sur un chien peuvent sauter plus haut que les puces qui vivent sur un chat.

Linguistique: Juan Manuel Toro, Josep B. Trobalon et Núria Sebastián-Gallés de l'Université de Barcelone, pour avoir montré que les rats sont le plus souvent incapables de reconnaître la langue japonaise de la langue néerlandaise dans un discours diffusé à l'envers.

tous les prix sont indiqués sur le lien wikipédia tout en haut de cet article (mais parfois ils manquent d'explication... mais en cherchant ca doit être trouvable...)

Boochkoozu

2009-10-26T02:07:00.000-07:00

J'ai envoyé une participation à Boochkoozu, le nouveau fanzine de Johan Troïanowski destiné à la bande dessinée muette. Je ne suis pas hyper satisfait du truc étant donné que j'ai improvisé ça, je n'avais aucune idée au départ (à part commencer par une case noire)... J'essaierai de faire mieux la prochaine fois.

Soleil-ville 3ème partie

2009-10-21T00:26:00.000-07:00

La 3ème partie du storyboard de Soleil-ville est en ligne sur mon site (cliquez sur le lien ou sur l'image, en bas a gauche et a droite de l'image qui va s'afficher, il y a "précédent" et "suivant" pour changer de page). Il est cette fois question de Fanzineux prétentieux qui se disent artistes et critiques beaucoup, mais qui redeviennent tout petit face à leur idole: Lewis Trondheim. Je doit avouer avoir dessiné Mas et moi en ce qui concernent ces deux fanzineux. Est-ce vraiment nous? Où est la vérité? Trondheim se lave-t-il les mains après le pipi? C'est ça qui est amusant...

Rumba, de Dominique Abel, Fiona Gordon et Bruno Romy

2009-10-19T14:12:00.000-07:00

Fiona et Dom sont instituteurs dans une école de campagne. Ils partagent une passion pour la danse latino et sont très amoureux. Les week-ends, ils écument les concours de danse régionaux. Leur maison regorge de trophées. Une nuit, de retour d'un concours, ils tentent d'éviter un suicidaire maladroit, planté au milieu de la route. Leur voiture s'écrabouille contre un mur. Fiona se retrouve alors amputée d'une jambe, et Dom affublé d'une amnésie rétrograde (l'amnésie la plus connue, qui est la perte de mémoire des évènements pré-traumatiques), mais aussi antérograde (la perte de mémoire dites à la Dori, ou de poisson rouge, où le sujet connait des difficulter à fixer de nouvelles information dans son cerveau)...

Superbe film décalé. Ne pas croire d'entrée que dans ce film on danse tout le temps. Loin, très loin de là...
Les auteurs, à la fois réalisateurs et acteurs principaux ont un univers hyper référencé mais qu'ils s'accaparent de façon formidable. Le film, quasiment sans dialogue se regarde pourtant avec une légèreté déconcertante. Cet humour, à la fois décalé, parfois absurde et souvent cruel, et cette façon de raconter essentiellement par l'image peut très bien faire penser à Mister Bean, mais Rumba est bien plus qu'un film humoristique.
Formellement magnifique, quasiment chaque plan est un tableau coloré, où les décors pourtant simples sont transcendés par un cadrage inventif. Voir la photo ci-dessous, où des cages de handball dessinées sur le mur d'un gymnase peuvent devenir magnifiques et donner un aspect original à l'esthétique du film:

Si la mise en scène peut rappeler le théatre ou même l'art de rue, Rumba reste néanmoins bien un film de cinéma pur et dur. En témoignent cette importance du cadrage et certaines scènes au burlesque typiquement cinématographique.
Le ton décalé, l'esthétique et l'univers narratif ne sont pas les seules qualité de ce film, où la relation entre les deux protagonistes principaux parviens à être aussi absurde que touchante. Rare sont les cinéastes qui parviennent à accomplir un tel film, où l'univers décalé et la légèreté ambiante n'empêchent pas l'émotion de filtrer, au contraire même ils la rendent encore plus touchante. Je pense à Kusturica, ou Fellini ... Rien de moins...
Je me matterais bien L'iceberg maintenant, précédent film de la petite troupe...

Une bande annonce:

Rumba - Bande-annonce
envoyé par baryla. - Regardez plus de films, séries et bandes annonces.

Le Soir ferait mieux d'aller se coucher...

2009-10-07T11:36:00.000-07:00

A l'occasion de ses 20 ans, le CBBD expose les Bandes dessinées qui depuis 1989 (année d'ouverture du CBBD donc) ont fait dates, innovants sur certains aspects...

Plus d'info ici

Ils ont donc établit une liste de ces albums intitulée: 20 ans, 21 albums

1989. V pour Vendetta, Alan Moore et David Lloyd.
1990. Largo Winch, Philippe Francq et Jean Van Hamme.
1991. Bone, Jeff Smith.
1992. Titeuf de Zep.
1993. Sin City, Frank Miller.
1994. Lanfeust de Troy, Didier Tarquin, Christophe Arleston.
1995. Monster, Naoki Urasawa.
1996. Kid Paddle, Midam.
1997. Murena, Franck Delaby et Jean Dufaux.
1998. Donjon, Lewis Trondheim, Joann Sfar et divers dessinateurs.
1999. Gemma Bovary, Posy Simmonds.
2000. Persépolis, Marjane Satrapi.
2001. Le décalogue, Frank Giroud et divers dessinateurs.
2002. Le chat du rabbin, Joann Sfar.
2003. Le photographe, Emmanuel Guibert, Didier Lefèvre et Frédéric Lemercier.
2004. Death Note, Tsugumi Ohba et Takeshi Obata..
2005. Black Hole, Charles Burns.
2006. My boy, Olivier Schrauwen.
2007. Kiki de Montparnasse de José-Luis Bocquet et Catel Muller.
2008. Le journal d'un ingénu, Emile Bravo.
2009. Une vie chinoise de Li Kunny et P. Otié

Je trouve ça particulièrement symptomatique d'une vision commerçante de la bande dessinée. Et c'est d'autant plus dommage qu'un musée spécialisé ose afficher un tel palmarès... Car un non initié, voire un initié très grand public, aurait l'impression de trouver là une liste montée par des experts auxquels on peut se fier, pire qu'on peut la sortir du fond de sa poche arguant que "oui Lanfeust, c'est bien, c'est innovant, c'est le CBBD qui l'a dit"...

On nous propose là, encore une fois, une très très grande majorité d'albums édités par des majors, de gros éditeurs inondants le marché et masquant par la même occasion la vrai innovation.
L'Association est quasiment oubliée par exemple, pour ne citer qu'elle, alors que son catalogue fourmilles d'albums importants, notamment pour la reconnaissance d'une bande dessinée différente (autant du point de vue médiatique, que public ou même éditorial). Si les éditeurs sont aujourd'hui ouvert à d'autres formes de bande dessinée que celles de lanfeust ou kid paddle, c'est en partie grace à l'asso et aux auteurs qu'elle à fait démarrer (comme Sfar ou Trondheim par ex). On a certes Persépolis, mais ça date de 2000 alors que l'association existe depuis 1990, qu'elle a notamment innovée en éditant des formats qui sortent des standart 48CC en vigueur alors, qu'elle à édité les premiers albums francais de bande dessinée autobiographique d'auteur (Livret de phamille, Journal d'un album racontant la génèse d'un album vue par ses deux auteurs, ou encore L'Ascension du haut mal)...
Et je pourrais en dire autant avec Cornélius, avec Approximativement de Trondheim. Cornélius qui à entre autre publié Blutch bien avant futuropolis, rappelons-le...
Et j'en passe, et pas des moindres...

Mais le pire dans tout ça, c'est surtout cette propension à ne proposer QUE des best sellers !!!
C'est bon parce que ca se vend (entre autre)!
Putain ça c'est grave quand même!

Reprenons les exemples que donne monsieur le commissaire de l'expo:

L'innovation, on la trouve, par exemple, dans le domaine graphique (Sin City)

Je ne suis pas sur que Miller soit le premier à utiliser du blanc et du noir franc pour donner une ambiance. Munoz le faisait déjà (entre autre), après il apporte un coté plus anguleux et une mise en page plus moderne, certes. Laissons donc ce choix, puisqu'il n'est pas si mal, même si je suis certains que ca n'est pas si novateur que ca...

ou dans la mécanique de la série (Le Décalogue).

Allez disons que celui là aussi passe, puisque la mécanique du Décalogue reprend plein de trucs déjà fait mais qui sont réunis effectivement pour la première fois (enfin, je crois!)

On retrouve dans cette sélection Titeuf, premier gamin de BD à grandir dans la vraie vie,

Alors là je comprend pas. Comment ça grandir dans la vraie vie?
Il veut dire dans le quotidien?
Il faut qu'il relise Calvin et Hobbes ou Peanuts... Ce choix me semble fait juste pour faire plaisir aux fans du gamin à la houpette blonde...

Kid Paddle, premier enfant trash du journal Spirou,

Où est l'innovation du monde de la BD, on nous parle là juste du monde de Spirou magazine... Les enfants trash, une nouveauté? (en plus y avait déjà Titeuf à l'époque par ex... pas dans Spirou certes, mais Spirou est-il le représentant universel de la bande dessinée???)

ou Lanfeust de Troy, première série d'héroïc-fantasy à la française.

Alors là... C'est de la pure mauvaise foi. La quête de l'oiseau du temps, L'épée de Crystal, Légende des contrées oubliées... Ca ne rappelle rien à personne? Et puis ca veux dire quoi "A la francaise"? C'est pour son côté franchouillard piqué à Goscinny? Quelle innovation!

Au rayon asiatique, l'expo présente Monster, terrifiant manga qui a imposé le genre en Europe

Ah bon??? C'est pas Akira qui à imposé le genre en Europe, appuyé plus tard par Dragonball?
Ah ouais, c'est vrai, mais ca n'allait pas, c'était avant 1989...

et Death Note, dont l'esthétique à inspiré la mode gothique chez les ados.

Pitié...
Death note à l'origine de la mode gothique... N'importe quoi...

Dans la sélection nous trouvons aussi Kiki de Montparnasse: Album qui n'apporte rien.
Le chat du rabbin, album qui apporte sa notoriété à Sfar, mais est-ce important pour le monde de la BD? Non (en fait si: ca rapporte du fric). Encore qu'à la limite, Le chat du Rabbin à fait s'intéresser les lecteurs de Télérama à la Bande Dessinée, comme Persépolis, et a consacré médiatiquement Sfar comme étant l'auteur bobo juif de service... Je ne sais pas si on peux parler d'innovation... Sfar à déjà bien plus innové avec Pascin au début des années 90, ou avec le Professeur Bell...
Largo Winch qu'apporte cette série d'innovant? XIII à la limite, mais Largo?
Idem pour Murena...
Le journal d'un ingénu, qui certes apporte un travail innovant par rapport à l'esprit d'une série très standardisée: Spirou et Fantasio... Mais pour la BD? Y a rien eu de plus innovant en 2008?

Energie noire et matière noire, ou antimatière?

2009-10-06T22:57:00.000-07:00

Un trou de vers: un objet théorique qui serait un trou noir muni d'un sens de rotation, et d'une charge éléctrique, ouvrant potentiellement sur un univers parallèle (si ceux-ci existent), et qui plus généralement est associé l'idée de raccourcit spatio-temporel, permettant de traverser d'immenses distances en un rien de temps.

Science et vie nous fait part ce mois-ci d'une théorie interessante, pouvant remplacer le modèle standard de l'univers, qui possèdent deux handicaps de poids: La matière noire et l'énergie noire, jamais observé ni jamais complètement définit, et qui représenterait 95% de notre univers... En fin d'article, nous auront une analyse interessante du potentiel comportement antigravitationnel de l'antimatière en associant les particules élémentaires au comportement des Trous de vers.

Rappelons rapidement certaines bases de cosmologies. Selon la théorie ne vigueur, appelé "Modèle Standard", à l'origine l'univers était extrèmement petit, extrèmement dense et extrèmement chaud. Pour une raison qu'on ignore toujours l'univers se serait dilaté à une vitesse immense, comme sous le coup d'une puissante explosion (mais a priori il n'y aurait pas eu de véritable explosion), appelée Big Bang. Aujourd'hui les physiciens ont réussit à créer un scénario d'évolution de l'univers à partir de 10(puissance)^-43 seconde après le Big Bang jusqu'à nos jours. Cet instant (bigBang + 10^-43 seconde) est appelé Mur de Planck et nos connaissances actuelles ne nous permettent pas d'aller au delà, les équations donnant alors des solutions infinies. Ce que n'admettent pas les physiciens. Lors de cette dilatation, l'univers était tout d'abord constitué d'autant de matière que d'antimatière. Ce qu'il faut savoir c'est que lorsqu'elles se rencontrent matières et antimatières s'annihilent, créant alors de la lumière et de l'énergie. Pour une raison encore inconnue, il semblerait que la matière ai prit le pas sur l'antimatière, puisqu'aujourd'hui notre univers est constitué de matière.
Deux observations essentielles viennent appuyer la théorie du BigBang: L'expansion de l'univers découvert par Hubble dans les années 20, et Le rayonnement fossile prédit par Gamow et découvert par Penzias et Wilson en 1965.
Le rayonnement fossile (ou Fond diffus cosmologique) est une trace laissé par l'univers lors de son état primordial: Sa densité et sa chaleur on laissé une marque dans l'univers sous forme de rayonnement diffus (diffus à cause de l'expansion de l'univers qui a considérablement refroidit et altéré cette "trace").
L'expansion de l'univers est un fait, et de tous nos modèles (basés sur les équations de Friedman) ressortent 2 potentialités:
- L'expansion sera ralentit par les effets gravitationnels de la matière de l'univers, sans jamais s'arréter.
- L'expansion de l'univers s'arrêtera, et l'univers se contractera sous l'effet gravitationnel. C'est ce qu'on appelle le Big Crunch.

Pourtant en 1999 les observations ont démontrées que non seulement l'univers était en expansion, mais qu'en plus, et surtout, sa vitesse d'expansion s'accélérait! Ce qui ne correspondait à aucun de nos modèle! En effet, en tenant compte de la force gravitationnelle ca ne devrait pas se produire, puisque la gravitation à toujours des effets attractifs!

Les scientifiques ont alors postulés qu'une énergie noire, de nature inconnue, aurait des effets répulsifs. Ils avaient déjà utilisé une telle rustine théorique avec la matière noire, qui tiendrait un rôle essentiel dans la formation de l'univers et notamment des galaxies. Depuis, l'un des grand défis de la cosmologie est de parvenir à définir, voire à observer, ces matières et énergies noires. Toujours sans succès. Gros probleme puisque ces deux inconnus pèsent pour 95% de la composition de l'univers!!!

Dernièrement Gabriel Chardin, directeur du Centre de spectroscopie nucléaire et spectroscopie de masse d'Orsay, avec l'aide de son étudiant, Aurélien Benoit-Lévy, ont mis au point un modèle alternatif utilisant l'antimatière plutôt que matière et énergie noire. D'autres modèles basés sur cette idée pourtant simple avait déjà été mis en place, mais connaissaient de grosses faiblesses théoriques, que Chardin et son étudiant ont réussit à combler. Leur modèle est compatibles avec 3 tests cosmologiques majeurs: Il explique l'accélération de l'expansion de l'univers (remplace donc les effets de l'énergie noire), rend compte de certaines hétérogénéités observés dans le rayonnement fossile (explication alors appuyées par la matière noire), et surtout ce qu'aucun autre modèle avec antimatière n'avait su prédire: il donne les proportions dans lesquelles les éléments atomiques légers ont été créés lors de la nucléosynthèse primordiale...

Mais la plupart des scientifiques regarde cette théorie sans trop y croire. Trois raisons simples: - Jamais aucune antimatière n'a été détectée dans l'univers (mis a part dans les accélérateurs de particules et autres réactions nucléaires telles qu'on observe dans le soleil).
- L'antimatière aurait des effets antigravitationnels, ce qui n'a jamais été prouvé, et ce qui chamboulerait énormement de choses dans notre vision de l'univers.
- Les théories de la relativité générales et la mécanique quantique nous ont prouvés, parmis d'autres théories et observations, que l'univers est beaucoup plus complexe qu'on le croit, et revenir à un univers "bêtement" symétrique fondé sur 50% de matière et 50% d'antimatière est contraire à l'intuition scientifique.

Par contre il est vrai que si l'antimatière n'est pas détecté c'est peut être pour la simple raison qu'elle est très difficile à détecter! Surtout si elle a des effets répulsif ! Reste donc à prouver en premiers lieu si l'antigravitation est possible. Le CERN (Centre Européen pour la Recherche Nucléaire, à Genève) devrait théoriquement pouvoir apporter une réponse d'ici 2013. Mais en attendant, deux points de vues s'affrontent: celui de nos connaissances actuelles et celui de Chardin.
Le principe d'équivalence d'Einstein (qui a été maintes fois prouvés avec une précision de 12 chiffres après la virgule!) montre que tous les objets, quelques soit leur masse tombe à la même vitesse sous les effets de la gravitation (ce qui fait changer leur vitesse dans les observations au quotidien, c'est le frottement de l'objet à l'air). Pour quelles raison difficilement concevable l'antimatière monterait-elle au ciel plutôt que tomber par terre? Autre point: Un photon peut de transformer en 1 électron et 1 anti-électron (ou positron). Puisque l'électron serait attiré par la gravité et le positron repoussé par celle-ci, le photon devrait aller tout droit. Pourtant, on sait que les photons gravitent...
Face à ça, Chardin apporte une réponse théorique interessante. Celle des trous de vers. Les trous de vers sont des objets théoriques (on a jamais eu la preuve de leur existence, mais la relativité générale rend leur existence possible en théorie). Ce sont des trous noirs en rotation munis d'une charge électrique. Selon Brandon Carter, qui analyse en 1960 ce comportement théorique des trous noirs, dans cette situation le trou noir aurait l'apparence d'un anneau qu'un hypothétique voyageur pourrait traverser. Une fois le trou de vers traversé le voyageur observerait que que la charge électrique du trou noir serait inversé (tout comme l'antimatière à une charge inversé à celle de la matière dont elle est opposée), mais en plus de celà, le trou noir au lieu d'attirer tout à lui, il repousserait tout se qui s'en approche (le voyageur étant propulsé à l'extérieur tout comme il a été attiré de l'autre coté). Ce qui est remarquable selon Chardin, c'est qu'"affublé d'une masse, d'une charge et d'un mouvement de rotation, les trous noir étudiés par Carter ont tout les attributs d'une particule élémentaire tel un électron. Lorsqu'on passe de l'autre côté, l'inversion de la charge suggère la transformation d'un électron en anti-électron; Or, on constate que l'objet en question présente une charge négative..."

Il ne reste plus qu'à attendre les résultats du CERN...

Fête médiévales aux Baux de Provence

2009-09-30T00:13:00.000-07:00

Le week end dernier aux Baux de provence se tenait une grande fête médiévale. Il est vrai que Les Baux sont un superbe site au coeur de la provence, très bien entretenu malgré son tourisme effréné...

Le village et l'enceinte du chateau était pleine d'animations, rien d'exceptionnel c'est toujours les même qu'on voit dans toutes les fêtes médiévales, mais ça à tout de même son petit charme. Troubadours, poterie, catapultes, et autres fauconneries (n'y voyez acune jeu de mot foireux), mais le clou du spectacle, pour lequel des milliers de personnes ont payées 12€ pour y assister (c'était le prix de l'accès à l'enceinte du château où il y avait les meilleures animations) était l'assault du château, une reconstitution historique de la prise et de la récupération du château en l'année 1533. Une première aux Baux !

Chevalier en armures, fantassins, archers, cavaliers, plus de 700 figurants promis à la reconstitution de cet évènement majeur de l'histoire du site.

Au final qu'avait-on? Un public trop nombreux (dimanche à 14h, la session où j'ai assisté au spectacle nous devions êtres plus de 4000 personnes à vue de nez) , les agents de sécurité étaient tellement débordés qu'ils en devenaient particulièrement agressifs, il faisait chaud, on était tous serré, on ne pouvait pas se déplacer de 20 centimètres sans bousculer tout le monde. Bref, c'était très désagréable, mais on était tous là pour voir une reconstitution qui s'annonçait comme étant spectaculaire. Si ça avait été le cas, ça aurait fait passer la pilule.

Au lieu de 700 figurants, il devait y en avoir 300 tout au plus. Ce qui finalement aurait pu etre suffisant si le spectacle avait été à la hauteur. Malheureusement c'était particulièrement lamentable... Dès le premier assault on s'est tous regardé en se demandant si c'était une vaste plaisanterie. Mais on a tout de même patienté jusqu'a l'assault suivant, qui devait être plus impressionnant puisque c'était la reprise du château par le propriétaire d'origine. Ca allait chier!

Pour chier, ça à chier... Dans la colle !Comme en témoigne cette vidéo, vous verrez à quel point les assaillants (en rouge) sont motivés pour reprendre leur dut... Personnellement, je ne me suis jamais imaginé des combattants partir à l'assault bras ballants, et marchant nonchalamment...

DSCN2155-assault du chateau baux de provence
envoyé par synthaxe.

Au delà du fait que les figurants ne mettent que peu de coeur à l'ouvrage, il y avait cette chorégraphie digne de Braveheart, ces tactiques de combats inouïes et ces effets spéciaux vraiment ... spéciaux. Voyez cette vidéo (filmée par moi-même, excusez les cadrages foireux, j'avais les bras tendu au dessus de la tête du géant qui était juste devant moi):

Assault du château des baux
envoyé par sydn.

En gros c'était vraiment navrant. Certaines choses très simples auraient put être faites, comme un lancé de fausses pierres de la part des assaillis, des archers en haut des tours lors du premier assault (il y en avait seulement lors du 2eme assault), de la fausse huile bouillante, des sons de cor à la place des généraux beuglants... Mais surtout, surtout, un minimum de motivation aurait pu rendre le tout vraiment sympa à défaut d'être vraiment bien (pour celà il aurait fallut chorégraphier de vrais combats, et non pas ces coups d'épée mollassons qu'on nous a proposé...).
Rajoutons que les archers, en première ligne, juste devant les spectateurs ont été les fiers représentants de cette totale bouffonnerie, en témoigne cette vidéo, navrante:

BAUX DE PROVENCE ARCHER
envoyé par PAPOP001.

Rien à voir avec la promesse spectaculaire que nous faisait miroiter la vidéo du site internet...
Nous ne sommes finalement même pas allé voir les aigles, l'une des attractions que je voulais voir, à cause de cette grande déception et aussi a cause du monde étouffant qui arpentait les rues minuscules des Baux... Plus de 20 minutes de queue rien pour pour boire un verre ou acheter une glace, à n'importe quel endroit, la plupart des sandwicheries ont été débordées et n'ont pas prévues assez de pain... Nous sommes partis, à 16h et avons mis une demi heure à pied pour atteindre l'emplacement de notre voiture...

Seul véritable moment de divertissement dans cette décevante journée, l'animation des catapultes, où l'animateur (ici en brun et jaune) était aussi drôle qu'intéressant. Ludique et attractive c'était la meilleure animation que nous ayons vu, malgré le fait que nous en avions déjà vu de semblable ailleurs, on ne s'est pas ennuyé. Chapeau aux responsables de cette animation là.

1er post: Solliès-Ville 2009

2009-09-26T09:35:00.000-07:00

Pour mon premier post sur ce nouveau blog je vais poster un texte que j'ai écrit après être allé au festival BD de Solliès-Ville. Ce festival est incroyable ! Beaucoup d'auteurs célèbres reçus comme des princes (hôtel avec piscine, bon resto, animations sportives et culturelles, un vrai club de vacance dans le Sud de la France, à deux pas de Toulon), qui se pointent à leurs dédicaces plus ou moins à l'heure qu'ils veulent (parfois on peut attendre l'auteur jusqu'à 11h le matin et 16h l'après midi), le tout dans une ambiance hyper agréable (heureusement) de village provençal...

J'aime beaucoup ce festival, même si les organisateurs semblent plus penser à l'accueil des auteurs (certes important) qu'à celui du public.

La remise des prix est quelque chose d'incontournable car terriblement cocasse, mais il y a un côté touchant dans tout ça, c'est fait avec tellement de chaleur et d'innocence... Et puis avec cette atmosphère bucolique, tout passe. Voici donc un compte rendu sarcastique de Solliès-ville 2009.

Solliès-Ville, comme tous les ans c'est:

Du soleil, de la chaleur, le village provencal et son atmosphère bucolique, du monde, des fanatiques et des collectionneurs qui font faire la queue à leur sac dès 7h du mat, des badauds qui badaudent, des rôlistes fans d'heroic fantasy qui font la queue pour Crisse et Kéramidas et qui regardent dédaigneux Art Spiegelman en train de faire des "petits mickey" même pas bien fait, des auteurs-star en pagaille, une remise des prix à mourir de rire, encore du Soleil (et oui, Sollies se situant à quelque minute de Toulon, il n'est pas rare d'y croiser Mourad Boudjellal entouré de ses auteurs invités), et toujours du soleil, puisque le grand prix de Sollies est un soleil d'or ! Autant dire que Sollies-Ville pourrait très bien être rebaptisé Soleil-Ville que ca ne choquerait pas grand monde !

Mais cette année se démarquait des autres avec la venue, pas seulement de Art Spiegelman (qui était déjà là l'année dernière) et de Bilal (déjà là depuis 3 ans), mais celles de Charles Burns et Chris Ware. Non de Dieu c'est vrai, je vous jure ils étaient là !!!
En plus avec le public d'habitué qui a généralement l'habitude de se pointer pour Arleston, Rosinsky, Hermann, Mourier ou Buchet (aucun d'eux n'était présent cette année!), enfin ce type d'auteur quoi, ben forcément il y avait pas tant de monde que ca pour les deux américains. Spiegelman était plus difficile à approcher (pour une dédicace j'entend, parce que sinon, il est très accessible, et parle même un peu francais).

Mais l'évènement majeur de ce cru 2009 est, comme toutes les années en fait, la cérémonie de REMISE DES PRIX !!!

Quelques anecdotes à se tordre de rire:

- Remise des prix "amateurs". 2 prix sont remis, l'un pour les + de 16 ans, l'autre pour les moins de 16 ans... La gagnate des + de 16 ans remporte un séjour pour 4 au Val D'Alos ! (quand même). Pour la gagnante des - de 16 ans, déjà il faut attendre 3 minutes avant que quelqu'un retrouve son nom (il n'y avait aucun papier dans l'enveloppe lors de l'ouverure, la vaste blague), et lorsque celle-ci monte sur scène elle se voit remettre une petite statuette de lapin dessiné par Enki Bilal, équivalent modeste du Fauve d'Angoulème dessiné par Trondheim... La pauvre elle semblait un poil déçue...

- Le présentateur, toujours le même que d'habitude, chevelu et bedonnant, sorte de pilier de bar quinquagénaire après quelques verres de pastis, ne sait plus qui doit donner le prix du meilleur album de l'année. Puis lorsque la personne en question (finit la directrice de la poste du coin ou le boulanger, maintenant c'est du haut standing, puisque nous avons là le directeur général de la caisse d'épargne PACA en personne !) ouvre l'enveloppe, il la trouve vide, une nouvelle fois... Bref, le nom du gagnant est finalement retrouvé, il s'agit de Charles Burns, ah ben oui, black hole c'est tout récent, c'est vrai... J'allais oublier que le présentateur, toujours à l'affut de se faire passer pour le copain de service (les auteurs sont tous ses amis, et il n'oublie jamais de nous le redire, genre "Aller vient Enki, monte, vous savez Enki, je ne le connais pas depuis longtemps, on s'est rencontré ici à Solliès Ville il y a 4 ans, au début, Enki, tu étais un auteur célèbre auquel chaque parole échangée remplit de joie et d'émotion, maintenant, on peut le dire, tu es un ami, Enki -petite tape sur les épaules- et c'est toujours un plaisir de te revoir"), bref, le présentateur donc, dès que Charles Burns monte sur scène, tend un bras vers lui et lance un "come-on my friend" qui a fait rire tout le monde... A savoir ce monsieur parle very mal anglais et Burns ne touche pas un mot de francais... Un ami avec qui il doit aimer parler donc...

- Mattotti (prix du dessin) qui fait remarquer que le micro n'est pas assez fort car on entend rien au fond (a vrai dire j'étais presque devant et j'entendais pas grand chose non plus! et dire que l'ingé-son était juste a coté de moi et ne remarque rien...)

- Le présentateur, toujours lui, remet le Soleil d'Or à Art Spiegelman, et pendant que celui-ci approche de la scène, il tente de définir Maus, pour ceux qui ne connaîtraient pas: "Maus, qu'on ne peux pas qualifier de bande dessinée puisque c'est une oeuvre magistrale". Aussi incroyable que véridique !

- C'est Enki Bilal qui remet le prix à Spiegelman et à Françoise Mouly (Voir la photo ci-contre où Spiegelman et sa femme, Françoise Mouly, posent avec Emmanuel Lepage et Pascal Orsini) et celui-ci a prévu un petit discours où il place à 4 reprises que Solliès est bien le plus grand festival internationnal de bande dessinée (on a du mal a savoir si c'est une blagounette ou pas, mais j'espère que oui), et un petit jeu de mot bien sentit "il existe les chiens truffiers, et bien à Solliès on a les Lapins Figuier" - a savoir, que Sollies-ville, la Farlède et Sollies-pont, sont connus pour leur figues... Et le lapin c'est le trophé dessiné par bilal lui meme... On comprend pourquoi Bilal ne fait pas dans la Bd humoristique...

Ajoutons à tout ça une petite phrase extraite de leur site, sorte de petite cerise sur le gâteau:
Un Festival novateur : aussi bien dans le choix des auteurs invités que dans son palmarès, le festival a souvent été un précurseur. Ainsi, Max Cabanes, François Boucq, Zep, Lewis Trondheim, Philippe Dupuy et Charles Berberian ont reçu le Grand Prix de Sollies-Ville, avant de devenir “Grands Prix d’Angoulême”.